Athènes Grèce Amasis Peintre Grenier Noir Figurine Vases 600BC Amphorae Tasses

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Seller: ancientgifts ✉️ (5,255) 100%, Location: Lummi Island, Washington, US, Ships to: WORLDWIDE, Item: 125216080293 Athènes Grèce Amasis Peintre Grenier Noir Figurine Vases 600BC Amphorae Tasses. "Le peintre Amasis et son monde: peinture sur vase au sixième siècle avant JC à Athènes" par Dietrich von Bothmer. NOTE: Nous avons 100 000 livres dans notre bibliothèque, plus de 10 000 titres différents. Il y a de fortes chances que nous ayons d'autres copies de ce même titre dans des conditions variables, certaines moins chères, d'autres en meilleur état. Nous pouvons également avoir différentes éditions (certaines de poche, d'autres à couverture rigide, souvent des éditions internationales). Si vous ne voyez pas ce que vous voulez, veuillez nous contacter et demander. Nous sommes heureux de vous envoyer un résumé des conditions et des prix différents que nous pouvons avoir pour le même titre. DESCRIPTION: Couverture souple surdimensionnée. Éditeur: Musée J. Paul Getty (1985). Pages: 246. Taille: Taille : 10½ x 8¼ x ¾ pouces; 2¼ livres. Résumé: Le peintre Amasis était l'un des plus grands peintres de vases de la Grèce antique, mais son propre nom n'a pas été enregistré, et il n'est connu aujourd'hui que sous le nom du potier dont il a le plus souvent décoré les œuvres. Véritable individualiste de l'histoire de la peinture athénienne, il a produit une œuvre qui se distingue par sa délicatesse, sa précision et son esprit. Lorsque le peintre Amasis a commencé sa carrière artistique vers 560 av. J.-C., la peinture sur vase attique à figures noires était déjà bien établie et sur le point de dépasser la poterie corinthienne dans la compétition pour le marché étrusque. Vers la fin de sa carrière extraordinairement longue - vers 515 avant JC, la technique des figures rouges avait été inventée et supplantait rapidement la mode des figures noires. En retraçant l'évolution stylistique du peintre d'Amasis depuis ses premiers vases jusqu'à ses derniers, cet ouvrage propose un tour d'horizon de la technique attique à figures noires à l'apogée de sa perfection. Le livre a été préparé pour accompagner une exposition tenue au Metropolitan Museum of Art, au Toledo Museum of Art et au Los Angeles County Museum of Art en 1985-1986. L'exposition est la première à être consacrée au travail d'un seul artiste de la Grèce antique, et vingt-deux musées et collectionneurs privés ont prêté les vases exposés. CONDITION: TRÈS BIEN. Très grande couverture souple, non lue (mais « défraîchie »). Musée J. Paul Getty (1985) 246 pages. Le livre est clairement non lu et "nouveau" dans ce sens, mais les couvertures du livre sont quelque peu "usées". L'intérieur du livre est presque vierge; les pages sont propres, nettes, non marquées, étroitement liées, non lues sans ambiguïté. De l'extérieur, les couvertures présentent une légère usure des bords et des coins, principalement sous la forme de légères marques de pli sur trois des quatre coins ouverts ainsi que le long du bord ouvert de la couverture avant (pas de plis pointus ou pliés, juste "stress" les rides). Le dos du livre est également légèrement délavé, allant de l'orange au pêche. C'est généralement le résultat du fait que le dos du livre, pris en sandwich et jaillissant entre d'autres livres, a été exposé pendant des années à l'éclairage fluorescent de la librairie. L'état général n'est pas trop éloigné de ce qui pourrait passer pour du stock "neuf" (quoique "usé") d'une librairie à étagères ouvertes (comme Barnes & Noble ou B. Dalton, par exemple) où autrement "nouveaux" livres souvent montrent une manipulation / usure des étagères modeste, conséquence simplement d'être mis sur les tablettes et remis sur les tablettes. Satisfaction garantie sans condition. En inventaire, prêt à livrer. Aucune déception, aucune excuse. EMBALLAGE TRÈS REMBOURRÉ ET SANS DOMMAGE ! Descriptions soignées et précises ! Vente en ligne de livres d'histoire ancienne rares et épuisés depuis 1997. Nous acceptons les retours pour quelque raison que ce soit dans les 30 jours ! #7004.1a. VEUILLEZ VOIR LES DESCRIPTIONS ET LES IMAGES CI-DESSOUS POUR DES AVIS DÉTAILLÉS ET POUR LES PAGES D'IMAGES DE L'INTÉRIEUR DU LIVRE. VEUILLEZ CONSULTER LES AVIS DES ÉDITEURS, DES PROFESSIONNELS ET DES LECTEURS CI-DESSOUS. AVIS DES ÉDITEURS: AVIS: Au VIe siècle av. J.-C., les artistes grecs ont fait de grands progrès vers une meilleure compréhension du corps humain et sa représentation plus précise, tant en sculpture qu'en peinture. Les vases en poterie peinte fabriqués à Athènes à cette époque constituent une partie importante de ce mouvement créatif. La haute qualité de l'argile attique, la perfection de la glaçure et le génie des potiers et des peintres y ont tous contribué. Le peintre Amasis était l'un des meilleurs de ces artistes. Il porte le nom du potier Amasis, dont la signature apparaît sur plusieurs des vases peints par lui. Le peintre d'Amasis a été actif pendant une période inhabituellement longue, près de cinquante ans, et nous pouvons observer la progression de son travail depuis le début du règne de Peisistratos, vers 561-560 avant JC, jusqu'à la mort du fils de Peisistratos Hipparchos en 514 avant JC. Amasis Painter a appliqué ses talents à des vases de formes différentes, travaillés à différentes échelles, des minuscules personnages sur de petits étuis à de grandes images sur de grands, et s'est réjoui de nombreux sujets différents tirés à la fois de la vie quotidienne et du royaume des dieux et des héros. . 353 illustrations bicolores et 9 planches couleurs témoignent de la richesse des images que nous a léguées le Peintre d'Amasis ; et même de petits détails sur lesquels notre attention est attirée sont illuminés. Depuis la parution en 1956 de la dernière monographie sur l'artiste (« Le Peintre Amasis » de Semni Karouzou). De nombreux vases plus connus lui ont été attribués et de nombreux autres ont été découverts. Non seulement ce livre donne un catalogue complet de la moitié de son œuvre conservée, exposée ensemble pour la première fois, mais il sert également de récit de l'artiste mis à jour. Dans les discussions détaillées des entrées individuelles, des comparaisons sont faites avec les vases du peintre Amasis qui ne sont pas inclus dans l'exposition. La relation du peintre à ses précurseurs et contemporains est examinée, les ornements sont analysés et les questions de chronologie relative des différents vases sont posées. AVIS: Dietrich von Bothmer est président du département d'art grec et romain du Metropolitan Museum of Art de New York. Alan L. Boegehold est professeur de lettres classiques à l'Université Brown. AVIS: Historien de l'art classique et expert en vases, Conservateur d'art grec et romain du Metropolitan Museum of Art. Issu d'une famille aristocratique de Hanovre, Bothmer a travaillé dans sa jeunesse pour l'artiste et sculpteur expressionniste allemand Erich Heckel. Son frère aîné, Bernard von Bothmer a rejoint les musées berlinois en 1932 en tant qu'égyptologue et le jeune Bothmer a lui-même décidé de faire carrière dans les musées. Il étudie un an à la Friedrich Wilhelms Universität de Berlin avant de recevoir une bourse de la Fondation Cecil Rhodes pour étudier à Oxford en 1938. A Oxford, il rencontre JD Beazley avec qui il étudiera. Bothmer a obtenu son diplôme en 1939 en études classiques. Il a ensuite effectué un séjour prolongé aux États-Unis, visitant des musées et envoyant des informations sur les vases classiques à Beazley, qui les a ensuite incorporées dans ses monographies ultérieures ("Attic Black-Figure Vase Painters", 1956, et "Attic Red-Figure Vase Painters ", deuxième édition, 1963). Il a étudié à l'Université de Californie, Berkeley, 1940-1942, sous la direction du classiciste et spécialiste du vase HR W.Smith. Bothmer a été boursier à l'Université de Chicago pendant un an en 1942 avant de retourner à Berkeley pour terminer son doctorat. en 1944. Le sentiment anti-allemand étant fort, Bothmer rejoignit l'armée américaine bien qu'il ne soit pas citoyen et fut affecté au théâtre du Pacifique Sud. Là, il a été blessé au combat - transportant un camarade soldat sur plusieurs kilomètres à travers les lignes ennemies - et a reçu une étoile de bronze et un cœur violet pour ses exploits héroïques et sa citoyenneté américaine. Il est démobilisé en 1945. Le frère de Bothmer, qui était également venu aux États-Unis en tant que conservateur à Brooklyn, a présenté le jeune Bothmer à des conservateurs, parmi lesquels Gisela Marie Augusta Richter, conservatrice d'objets grecs et romains, qui l'a orienté vers un poste dans son département en tant qu'assistant conservateur. . Bothmer est resté au Metropolitan le reste de sa carrière. Il s'est imposé dans le monde social de New York, rejoignant les soirées de la bienfaitrice de l'art Josephine Porter Boardman Crane (1873-1972) entre autres. Il est finalement tombé en désaccord avec le réalisateur notoirement anti-archéologue du Met, Francis Henry Taylor. En 1959, Bothmer est devenu conservateur. La même année, il est élu président du comité américain du Corpus Vasorum Antiquorum, qu'il occupera jusqu'en 1983. À ce titre, il est l'auteur de deux fascicules au CVA, l'un pour le Boston Museum of Fine Arts et l'autre pour le Metropolitan. En 1965, il est nommé professeur adjoint à l'Institute of Fine Arts de l'Université de New York et reçoit une bourse Guggenheim l'année suivante. Il a épousé l'héritière du pétrole (et veuve du marquis Jacques de la Bégassière) Joyce Blaffer (née en 1926), qui a commencé à faire des dons importants au Met. En 1990, Bothmer a reçu le poste de conservateur de recherche distingué au Metropolitan. Le Met a nommé les deux principales galeries de poterie classique la "Bothmer Gallery I" et la "Bothmer Gallery II" (financée par sa femme) en son honneur en 1999. Au cours de sa vie, il a reçu des doctorats honorifiques des universités d'Oxford, de Trèves et d'Emory, nommé chevalier de la Légion d'honneur et membre de l'Académie française et du Deutsches Archäologisches Institut (DAI). Le frère de Bothmer, Bernard, était égyptologue/historien de l'art à l'université de New York. La carrière de Bothmer au Metropolitan a souvent été controversée. En 1967, le directeur financier du musée, Joseph V. Noble et Bothmer ont annoncé qu'un célèbre cheval de bronze acquis en 1923 par le musée était un faux basé sur des motifs stylistiques et des tests de rayons gamma. Le couple a fait une annonce publique et a retiré le cheval de la vue. Cependant, Carl Bluemel doutait de leurs découvertes stylistiques, tout comme le conservateur de l'art grec et romain au Musée des beaux-arts de Boston, Cornelius Vermeule. Lorsque des tests techniques plus sophistiqués ont ensuite été effectués, l'œuvre s'est avérée authentique. Bothmer a également été accusé que son empressement à obtenir d'excellentes pièces pour le Musée avait pour résultat de récompenser des marchands et des voleurs sans scrupules. Le Met a vendu une grande partie de sa collection de pièces de monnaie pour payer l'acquisition, scandalisant les professionnels des musées et les archéologues. La provenance trouble du vase a conduit de nombreux archéologues à croire qu'il avait récemment été extrait illégalement d'un site archéologique italien, probablement Cerveteri. Bien que Bothmer et le directeur métropolitain Thomas Hoving aient insisté sur le fait que le pot était resté en morceaux dans une collection familiale à Beyrouth, Hoving a admis plus tard en 1993 que les preuves situées pour la collection de Beyrouth n'avaient jamais fait partie du cratère Euphronios du Met. Le cratère a été rapatrié en 2006. AVIS: Dietrich Felix von Bothmer (1918–2009) était un historien de l'art américain d'origine allemande, qui a passé six décennies en tant que conservateur au Metropolitan Museum of Art, où il est devenu le plus grand spécialiste mondial dans le domaine des vases grecs anciens. Von Bothmer est né à Eisenach, en Allemagne, le 26 octobre 1918. Ardent opposant à la dictature nazie, von Bothmer a fréquenté l'Université Friedrich Wilhelms de Berlin, puis est allé au Wadham College d'Oxford en 1938 grâce à la dernière bourse Rhodes décernée en Allemagne. Là, il a travaillé avec Sir John Beazley sur ses livres Attic Red-Figure Vase-Painters et Attic Black-Figure Vase-Painters , travaillant en collaboration pour regrouper les œuvres en identifiant les artisans et ateliers individuels qui avaient créé chacun des centaines de vases grecs. Il obtient son diplôme en 1939 avec une spécialisation en archéologie classique. Une tournée des musées aux États-Unis en 1939 a laissé von Bothmer coincé là-bas avec le début de la Seconde Guerre mondiale. En raison de ses forts sentiments anti-nazis, il a refusé de retourner en Allemagne et a échappé de peu à être renvoyé en Allemagne contre son gré. Il a obtenu son doctorat à l'Université de Californie à Berkeley en 1944. Bien qu'il ne soit pas encore citoyen, en 1943, il s'est porté volontaire pour l'armée américaine. Après 90 jours dans l'armée américaine, il a prêté serment en tant que citoyen américain en mars 1944. Il a servi dans le théâtre d'opérations du Pacifique, remportant une médaille d'étoile de bronze et un cœur violet pour un acte de bravoure remarquable le 11 août 1944, alors qu'il servait dans le Pacifique Sud, où, bien qu'il ait lui-même été blessé à la cuisse, au pied et au bras , il récupéra un camarade blessé et le ramena sur trois milles à travers les lignes ennemies. À la fin de son service militaire, il est embauché par le Metropolitan Museum of Art en 1946 et nommé conservateur en 1959. En 1973, il était directeur du département et il a été nommé en 1990 conservateur de recherche distingué. Le gouvernement italien a exigé le retour de l'objet, citant des allégations selon lesquelles le vase avait été pris illégalement sur un ancien site étrusque près de Rome. Le cratère était l'une des 20 pièces que le musée a renvoyées en Italie en 2008 en échange de prêts pluriannuels d'artefacts anciens qui ont été exposés au Met, dans le cadre d'un accord conclu en 2006. L'exposition de 1977 de Von Bothmer "Trésors thraces de Bulgarie" couvrait vingt siècles de culture thrace, avec plus de 500 œuvres d'art datant de l'âge du cuivre. L'exposition de 1979 "Art grec des îles de la mer Egée" comprenait 191 pièces, dont 46 provenaient du Met et un nombre similaire du Louvre. Le reste provenait de plusieurs musées différents en Grèce, y compris la plus grande sculpture cycladique connue, datant de 2700 à 2300 avant JC, prêtée par le Musée archéologique national d'Athènes. Une exposition de 1985 basée sur ses recherches, "The Amasis Painter and his World: Vase Painting in Sixth Century BC Athens", comprenait 65 œuvres d'un seul artiste qui a créé sa poterie 2 500 ans auparavant, la première à documenter l'histoire du travail de un seul artisan de cette période antique en one man show. Parmi les nombreux ouvrages publiés par Von Bothmer dans le domaine, citons "Amazons in Greek Art" de 1957, "Ancient Art From New York Private Collections" et "An Inquiry Into the Forgery of the Etruscan Terracotta Warriors in the Metropolitan Museum of Art" (avec Joseph V . Noble), tous deux publiés en 1961, "Greek Vase Painting: an Introduction" en 1972, son livre de 1985 "The Amasis Painter and His World: Vase-Painting in Sixth-Century BC Athens", son livre de 1991 "Glories of the Past : Ancient Art from the Shelby White and Leon Levy Collection", et en 1992,"Euphronios, peintre: Actes de la journée d'étude organisée par l'Ecole du Louvre et le Département des antiquités grecques, etrusques de l'Ecole du Louvre ". Il a également contribué en 1983 à "Wealth of the Ancient World (Hunt Art Collections", à "Development of the Attic Black-Figure" Revised edition (Sather Classical Lectures)" en 1986, et à une grande variété d'autres publications. Il a pris un poste de professeur en 1965 à l'Institut des beaux-arts, le programme d'études supérieures le mieux classé du pays en histoire de l'art, selon l'étude de 1994 du Conseil national de recherches. Von Bothmer a reçu de nombreux prix et citations, dont un chevalier de la Légion d'honneur ; membre de l'Académie française (l'un des deux seuls Américains à avoir cet honneur) ; membre honoraire du Wadham College; et plusieurs doctorats honorifiques. En complément de sa carrière de conservateur et d'universitaire, il a siégé au Conseil consultatif sur l'art de la Fondation internationale pour la recherche sur l'art (IFAR). Résident à la fois du quartier de Manhattan à New York et d'Oyster Bay, à New York, von Bothmer est décédé à 90 ans le 19 octobre 2009 à Manhattan. Son frère était le célèbre égyptologue Bernard V. Bothmer, décédé en 1993. TABLE DES MATIÈRES: Avant-propos du réalisateur. Préface. Abréviations. Le temps du peintre Amasis par Alan L. Boegehold. Le monde du peintre Amasis de Dietrich von Bothmer. Planches de couleurs. Catalogue. -Amphores Panneau-Amphores (Type B). --Panneau-Amphores (Type A). --Psykter Neck-Amphora. --Neck-Amphores. -Oinochoai. --Olpaï. --Oinochoai, Forme III (Choes). --Oinochoai, Forme I. -Lécythoï. --Type d'épaule. --Forme sous-Deianeira. -Aryballe. -Vaisseaux à boire. --Mastoïde. --Coupe-Skyphos. --Bande-Coupes. --Coupe à lèvres. --Tasses de Type A. --Tasses spéciales, se rapprochant du type B. Signatures de Kleophrades, fils d'Amasis, sur deux tasses au Getty Museum. Formes de vases peintes par le peintre Amasis. Tripod-Pyxis du sanctuaire d'Aphaia sur Égine par Martha Ohly-Dumm. AVIS PROFESSIONNELS: AVIS: La peinture de vases grecs est un sujet d'une importance artistique incontestée qui a rarement suscité de passion en dehors du monde académique. « Le peintre Amasis et son monde : la peinture sur vase à Athènes au VIe siècle av. J.-C. » au Metropolitan Museum of Art est une idée originale et un sujet riche. Beaucoup de ces pots à figures noires sont magnifiques... La période couverte par l'exposition est l'une des plus fascinantes de l'art grec. C'est à ce point que le plaisir du corps humain et du mouvement a commencé à lutter contre l'ordre géométrique rigide et la stylisation. Le style des Kouroi contemporains est très similaire au style des figures de vase. "Le peintre Amasis et son monde" est considéré comme la première exposition personnelle d'un artiste du monde antique. On sait très peu de choses sur lui. Il n'y a pas de dates absolues et seulement 11 signatures sûres. Les 65 pots ou fragments de pots de l'exposition - couvrant toute sa carrière à Athènes, d'environ 560 à 515 av. J.-C. - constituent à peu près la moitié de son œuvre connue. Aussi impressionnante que soit l'accumulation d'érudition, Dietrich von Bothmer, président du département d'art grec et romain du Met, souligne dans son essai de catalogue que chaque nouvelle attribution oblige toujours à réexaminer tout ce que l'artiste a fait. La technique utilisée par le peintre Amasis est la figure noire. Grâce à un processus d'oxydo-réduction en trois étapes, des formes noires ont été créées sur un fond rouge-orange. Son style artistique est soigné, précis et rempli de l'intelligence compositionnelle qui est évidente dans la sculpture architecturale du VIe siècle et du genre de rythmes élégants, hypnotiques et linéaires que l'on retrouve également dans les hiéroglyphes et les reliefs égyptiens. M. von Bothmer écrit que l'artiste se distinguait par sa "capacité à travailler à différentes échelles" et par son extrême conservatisme. Il "se répétait non pas parce qu'il était dépourvu d'idées nouvelles mais parce qu'il aimait sa façon de dessiner". Les peintures peuvent être sérieuses, paillardes ou humoristiques. Il y a des images de combat et de chasse. Il y a une procession de mariage en frise et des scènes de la mythologie qui révèlent à quel point les Grecs pensaient que leurs dieux étaient proches et loin. On y voit Artémis, maîtresse des bêtes féroces, entre les mains de laquelle les lions se sont transformés en minous, debout au milieu de jeunes hommes dont elle semble aussi éloignée que la Vierge Marie sur son trône. Peut-être qu'aucun dieu n'apparaît plus souvent que Dionysos. Des pots grecs stockaient, portaient et versaient du vin, et les peintures sur eux relatent toutes les activités inspirées et servies par le vin. M. von Bothmer donne un indice sur la puissance des œuvres lorsqu'il écrit que le "peintre d'Amasis, plus que d'autres, a toujours prêté attention à l'harmonie entre la forme en pot et la décoration". Les images tendent à renforcer le mouvement circulaire et la présence fixe des pots d'une manière qui en fait des déclarations sur la liberté et le destin. Lorsqu'il y a une sensation de mouvement créée par des chevaux ou des hommes qui courent, elle est modifiée par la façon dont ils semblent serrés dans leurs bandes picturales, et elle est souvent finalement arrêtée par un mouvement allant dans la direction opposée. Dans un tableau, un guerrier prenant congé se déplace vers la droite et fait face à la gauche. Les chiffres à sa face droite à gauche; les chiffres à sa gauche face à droite. À la suite de ces collisions spatiales, la peinture oscille entre les points de vue de profil et de face. Les mouvements à l'intérieur de la peinture renforcent la tension spatiale intégrée au pot lui-même, transformant l'ensemble en un objet sculptural qui semble si tendu qu'il pourrait exploser. L'exposition a été organisée par le Toledo Museum of Art, avec le Metropolitan Museum, le Los Angeles County Museum of Art et le J. Paul Getty Museum, qui a publié le catalogue. Après avoir quitté le Metropolitan, le spectacle se rendra à Tolède et à Los Angeles. [New York Times]. AVIS: Pendant 2 500 ans, nous dit-on, le Peintre d'Amasis n'a jamais eu d'exposition personnelle. Maintenant que cet oubli a été corrigé par le Metropolitan Museum of Art dans "The Amasis Painter and his World: Vase Painting in Sixth Century BC Athens", une rétrospective comprenant 65 vases et fragments grecs à figures noires habilement décorés, datant de 560 à 515 J.-C. Le musée décrit l'exposition, jusqu'au 27 octobre, comme la plus grande exposition de vases en terre cuite d'un seul artiste grec ancien et la première à documenter l'évolution de l'œuvre d'un artisan. Cette exposition extraordinaire aurait été pratiquement impossible à l'époque et très improbable jusqu'à présent, selon Dietrich von Bothmer, président du département d'art grec et romain du musée, qui a conçu l'exposition. La plupart de ces cruches, tasses et récipients de stockage n'ont pas refait surface jusqu'à ce qu'ils aient été fouillés aux 18e et 19e siècles. Les œuvres exposées ont été rassemblées à partir de 18 musées et de quatre collectionneurs en Europe et aux États-Unis, un exploit inouï jusqu'à récemment, lorsque de telles expositions internationales sont devenues une pratique acceptable. Ce que nous voyons dans cet assemblage de vases et de fragments très raffinés et extrêmement détaillés peut s'avérer très gratifiant pour les visiteurs qui ne sont pas distraits par les œuvres d'art plus lourdes de la Renaissance et du baroque qui remplissent le patio Blumenthal où se déroule l'exposition. Une énergie impressionnante est capturée dans les images narratives de ces pots peints - des guerriers, des lances à la main, affichent leur héroïsme avec une fierté musclée ; les dieux, enveloppés de manière imposante dans des robes royales, accueillent les mortels dans des décors réalistes, et les satyres dans des poses érotiques et méchantes gambadent sauvagement lors de grandes fêtes. Au moment où le peintre Amasis a commencé à embellir les vases vers 560 avant JC, les peintres de vases avaient abandonné les motifs purement décoratifs et avaient appris des poètes - rendant visuellement les histoires de la mythologie grecque que le public avait appris oralement. La technique de la peinture à figures noires était bien avancée, comme en témoignent ces figures athlétiquement vivantes, représentées sous forme de silhouettes noires brillantes. À ce moment-là aussi, les détails étaient exécutés comme de la lumière sur des incisions sombres, et les couleurs céramiques opaques - rouge et blanc - soulageaient la monotonie chromatique. Peu importe sans doute que l'on ne connaisse pas le nom de l'artiste à l'origine de ces œuvres sur lesquelles se débattent des hommes aux yeux écarquillés, des dieux féroces se font la guerre et un musicien jouant de deux flûtes semble hypnotiser un auditeur porteur de lierre. Ce qui a été déterminé, c'est que 12 vases signés par le potier Amasis - chacun portant l'inscription "Amasis made me" - ont été décorés par un artisan désormais identifié comme le peintre Amasis. Une grande partie de la recherche sur Amasis est attribuée à JD Beazley, un archéologue britannique et spécialiste de la peinture attique, qui a identifié 116 œuvres de cet artiste dans deux de ses livres - "Attic Black-Figure Vase-Painters" publié en 1956, et "Paralipomena ", en 1971. Depuis lors, 16 autres vases du peintre Amasis ont fait surface ou ont été reconnus, et environ la moitié du total sont dans cette exposition. Les chercheurs continuent d'étudier les vases grecs pour trouver des œuvres supplémentaires de l'homme connu sous le nom de peintre Amasis, ainsi que d'autres. Parce que les signatures sur les vases sont des potiers, pas des peintres, à moins qu'un vase avec la signature du peintre n'apparaisse, son nom réel peut ne jamais être connu. « Était-il myope ? M. von Bothmer s'est demandé à haute voix lors d'une récente interview. Ce peintre a dû, dit-il, compte tenu de sa longue carrière - 45 ans - exécuter des images aussi précises. M. von Bothmer a expliqué que les couleurs noir et rouge sur ces récipients n'apparaissaient qu'après la cuisson des pots, ce qui signifiait, a-t-il ajouté, que l'artiste avait gravé son dessin dans l'argile sans l'aide de couleurs contrastantes. Alan L. Boegehold, professeur de lettres classiques à l'Université Brown, fait revivre l'Athènes du VIe siècle dans un autre essai de catalogue. Il nous dit que les potiers grecs étaient probablement des citoyens, qui, selon Platon, n'étaient pas trop pauvres - ils achetaient leurs propres outils et équipements - ni trop riches non plus - ils travaillaient longtemps et durement. L'exposition a été organisée par le Toledo Museum of Art, avec le Metropolitan Museum, le Los Angeles County Museum of Art et le J. Paul Getty Museum, qui ont financé et produit le catalogue. Après sa fermeture à New York, le spectacle se rendra à Tolède et à Los Angeles. Les vases grecs sont collectionnés avec enthousiasme depuis leur apparition dans l'Antiquité. Aujourd'hui, les acheteurs avertis trouvent des œuvres de grande valeur à des prix qui sont loin d'être exorbitants. La cruche, décrite par Sotheby's comme un récipient attique à figures noires datant de 540 av. J.-C., a depuis été identifiée par M. von Bothmer comme l'œuvre du peintre Amasis. Les grandes collections de vases grecs commandent généralement des prix plus élevés, en particulier lorsque les vases proposés ont été plus complètement identifiés. Ce fut le cas de la collection Castle Ashby, assemblée dans les années 1820 par le deuxième marquis de Northampton, et vendue en 1980 par le sixième marquis chez Christie's à Londres. [New York Times]. AVIS DES LECTEURS: AVIS: Un catalogue remarquablement complet et captivant. C'est la source d'information relative à "The Amasis Painter". Un effort littéraire exceptionnel. Les planches de couleur sont phénoménales. CONTEXTE SUPPLÉMENTAIRE: AVIS: Le peintre Amasis (actif vers 550-510 av. J.-C. à Athènes) était un ancien peintre de vase grec qui travaillait dans la technique des figures noires. Il doit son nom à la signature du potier Amasis ("Amasis made me"), qui a signé 12 oeuvres peintes de la même main. A l'époque de l'exposition "Le peintre Amasis et son monde" (1985), 132 vases avaient été attribués à cet artiste. Comme pour tous les artisans travaillant au VIe siècle avant JC, on comprend très peu de choses sur la vie ou la personnalité du peintre Amasis. Les érudits savent qu'Amasis est une version grecque d'un nom égyptien, plus précisément d'un roi égyptien contemporain, ce qui amène certains à croire que le peintre Amasis - ou du moins le potier Amasis - était peut-être un étranger, originaire d'Égypte. D'autres possibilités incluent qu'il était un Athénien avec un nom égyptien, ce qui est très plausible, étant donné les relations commerciales étroites entre la Grèce et l'Égypte, ou que son nom signé était un surnom que lui avaient donné ses contemporains en raison d'une caractéristique égyptienne, un exemple étant la forme d'alabastre. L'utilisation par Exekias de l'étiquette "Amasos" pour une illustration d'un Éthiopien n'a pas d'explication claire, mais on pense généralement qu'il s'est moqué d'Amasis en tant que rival professionnel contemporain. Malgré la possibilité de son origine égyptienne, il est généralement admis par les érudits que le peintre d'Amasis a appris son métier à Athènes, très probablement avec le peintre de Heidelberg. Ce peintre a travaillé vers 525-550 av. J.-C. et est surtout connu pour son travail sur les tasses Siana. Le peintre Amasis emprunte des scènes au peintre de Heidelberg, comme un guerrier s'habillant de cretons avec plusieurs passants; cependant, le peintre Amasis ajoute sa propre touche dans le traitement de ses personnages, conférant un plus grand sens du détail, et ajoutant souvent une bordure à double bande et un feston de palmette-lotus à la décoration ornementale. Dans d'autres exemples, l'utilisation par le peintre d'Amasis de vêtements à franges souligne également une possible relation étroite entre les deux. La carrière du peintre Amasis a été longue, s'étendant sur près de 50 ans, d'environ 560 à 515 avant JC, et englobait la transition des phases précoces à matures dans la peinture de vase à figures noires attique. Le peintre Amasis était singulier dans sa réaction aux changements rapides qui se produisaient autour de lui. Son style, bien que généralement conservateur, a évolué avec certains développements du médium. Cependant, le peintre Amasis a également rejeté certaines tendances et a réussi à maintenir une cohérence qui peut être retracée tout au long, ce qui rend difficile la datation des œuvres de son vivant. Son développement au cours de sa carrière, qui est vaguement classée en phases précoce, intermédiaire et tardive, démontre le parcours de l'artiste de novice à maître. Comme R. M. Cook explique: "Ses premiers travaux sont conventionnels et apprivoisés, mais à mesure qu'il mûrit, il affiche une assurance plus individuelle". Il y a 11 vases à figures noires et un fragment qui sont peints de la même main et portent une signature qui se lit, Amasis mepoiesen signifiant "Amasis m'a fait", indiquant l'artiste Amasis comme le potier de ces œuvres. Comme les 12 œuvres ont été décorées par un seul peintre, certains chercheurs ont supposé que le potier et le peintre ne faisaient qu'un. Cependant, depuis l'attribution en 1971 d'une œuvre signée d'Amasis à la main du Peintre des Taleides, il est rappelé aux connaisseurs de distinguer avec soin le potier Amasis et le Peintre d'Amasis. Les 12 pièces signées du peintre comprennent trois amphores à col large, quatre olpai (une forme ancienne de cruche à vin), une tasse à bande, une tasse, un petit bol, une pyxide et un fragment de vase. Pour les érudits qui croient que le potier et le peintre étaient identiques, les formes petites et raffinées des récipients Amasis renforcent l'argument des contributions innovantes d'Amasis aux vases athéniens du VIe siècle. Comme l'écrit Boardman, "L'empotage des vases du peintre Amasis est aussi distinctif que la peinture. La conjonction des deux phénomènes pourrait bien suggérer que le potier et le peintre étaient un seul homme, d'autant plus que les éléments distinctifs de chaque métier semblent partager un esprit commun." Que le peintre soit ou non le potier, le Peintre Amasis a décoré une grande variété de formes, y compris des amphores à panneaux et à col, utilisées pour le stockage du vin ou de l'huile; oinochoai, cruches verseuses de vin; lethythoi, jarres à huile; l'alabastra et l'aryballoi, pour les huiles ou les parfums ; et une variété de gobelets, y compris les mastoïdes, les skyphoi et les kylikes. Parmi ces formes, le Peintre d'Amasis semble avoir préféré des formes plus petites, "conviviales", de 30 à 35 centimètres de haut, et des dimensions réduites de l'espace de peinture, par exemple, en panneaux. Le peintre Amasis a abordé presque tous les sujets disponibles pour le peintre de vases du VIe siècle; sur 165 scènes, 20 sont des sujets mythologiques narratifs. Cependant, son véritable caractère d'artiste et ses contributions les plus importantes à l'héritage de la peinture à figures noires se révèlent dans ses sujets non narratifs de dieux et de mortels, et dans ses nombreuses scènes de genre. Le peintre Amasis est crédité comme le premier à montrer des scènes non spécifiques d'interactions entre les dieux, en particulier Dionysos et ses joyeux fêtards qu'il a peints plus de 20 fois, par rapport à celui d'Exekias. Un autre de ses sujets les plus courants est Athéna face à Poséidon, et bien que le spectateur se souvienne du mythe de la compétition pour Athènes, la représentation de cette scène par le peintre Amasis ne transmet généralement pas de récit spécifique. Il étend ces représentations des dieux aux mortels ; comme le soutient Stewart, de telles scènes témoignent de la capacité du peintre à évoquer une conscience culturelle contemporaine des dieux omniprésents dans la vie quotidienne grecque. L'abandon du canon traditionnel a permis au peintre Amasis une plus grande liberté d'explorer des détails particuliers dans son traitement des sujets mythologiques. Le Peintre d'Amasis a également été un pionnier dans sa représentation de scènes de genre de la vie quotidienne, comme le transport en charrette d'un couple nouvellement marié jusqu'à la maison du marié, ou le travail de la laine par un groupe de femmes. Le Peintre Amasis est reconnaissable à son goût pour la symétrie, la précision et la clarté, et à l'expressivité par la maîtrise de son médium et de sa composition. Comme le souligne Von Bothmer, l'artiste est particulièrement fort en tant que miniaturiste et hautement qualifié dans sa création d'harmonie entre la forme et la décoration. Une autre caractéristique unique du style du peintre Amasis est son utilisation occasionnelle d'un contour de glaçure pour délimiter les figures féminines, en particulier les ménades. S'il n'a pas été le premier à utiliser un contour de glaçure, il a été le premier à le combiner avec la technique des figures noires sur un seul récipient, anticipant peut-être le style des figures rouges, comme le suggère Semni Karouzou, ou y réagissant. L'étendue de l'interaction du peintre Amasis avec la technique des figures rouges, qui était utilisée à la fin de sa carrière, est inconnue, mais les lignes libres et curvilignes et les compositions lumineuses de ses travaux ultérieurs peuvent indiquer son influence. Les connaisseurs peuvent également identifier le travail du peintre Amasis par son utilisation caractéristique de l'ornement. L'artiste a généralement renforcé ses cadres avec une ligne à double et parfois triple vitrage, un autre report du peintre de Heidelberg. De plus, il pouvait utiliser cette ligne double ou triple pour séparer la scène du panneau de la bande ornementale, et utilisait parfois un méandre. Deux autres motifs qu'il employait régulièrement étaient des bandes en zigzag et des rosettes. Enfin, le peintre Amasis est plus reconnaissable dans son utilisation de bandes ornementales florales, que Beazley caractérise comme vivantes et vives. Commençant par de simples bourgeons droits, par opposition aux bourgeons pendants caractéristiques d'autres artistes, il a finalement développé le feston palmette-lotus plus complexe. Il a utilisé ces deux motifs tout au long de sa carrière et, en particulier dans les œuvres ultérieures, ils se distinguent par leur excellente symétrie et leur équilibre des couleurs. Comme le décrit Mertens, « Dans le feston palmette-lotus…, chaque unité est méticuleusement espacée dans le champ, et un soin extraordinaire a été apporté aux vrilles, en particulier celles qui se développent à partir des palmettes. Les intervalles sont aussi importants que les formes. Le peintre Amasis et Exekias sont traditionnellement considérés par les érudits comme représentant les deux «écoles» de peinture à figures noires attiques au milieu du VIe siècle avant JC, et sont crédités d'avoir porté la technique des figures noires à pleine maturité; la discussion savante traditionnelle de l'un ou l'autre peintre implique une comparaison. Les deux artistes étaient des dessinateurs exceptionnels et des maîtres du détail, qui ont été employés pour transmettre une scène vivante. Dans la littérature traditionnelle, les érudits ont favorisé Exekias comme l'artiste supérieur, et on lui attribue la maîtrise du développement pré-classique du récit : condenser des histoires bien connues et décrire des moments qui impliquent des événements passés et futurs, et "invoquer des causes et des conséquences avec un pouvoir et une économie jamais atteints par ses prédécesseurs. Les historiens de l'art attribuent au peintre Amasis, en revanche, le développement de scènes de genre originales et non narratives. Ils considèrent que ses œuvres les plus fortes sont des exemples qui emploient l'humour, l'esprit et l'expression grâce à une utilisation magistrale du burin et du pinceau. Dans la littérature dominante avant l'exposition Getty, le peintre Amasis était considéré comme une valeur aberrante dans une marche exekienne vers le classicisme. Le Peintre d'Amasis et son monde, cependant, ont servi à réintroduire le Peintre d'Amasis sous un jour nouveau : comme un fil conducteur dans un réseau de peintres dans la Grèce du VIe siècle. Il est important de noter que le savoir-faire de JD Beazley explique l'œuvre du peintre Amasis et permet aux téléspectateurs et aux universitaires modernes de considérer son travail de cette manière. Exekias et le peintre Amasis étaient également talentueux, chacun à sa manière, et ont contribué au développement de la peinture de vase à figures noires à Athènes. À l'automne 1985, "The Amasis Painter and His World", la première rétrospective d'un artiste attique à figures noires, s'est ouverte au Metropolitan Museum of Art. Organisée par le Dr Dietrich von Bothmer, ami proche et associé de JD Beazley, l'exposition a réuni 65 œuvres attribuées au peintre Amasis du monde entier, s'ouvrant sur le centenaire de la naissance de Beazley. Beazley a consacré ses 60 ans de carrière à l'observation diligente et à la catégorisation et à l'attribution détaillées des anciens peintres de vases grecs et des écoles basées sur le style. L'exposition a reconnu non seulement le travail du peintre Amasis, mais aussi la bourse de Beazley, qui a établi l'ensemble de l'œuvre de cet artiste. Le catalogue savant pour l'exposition et les articles publiés à partir du colloque qui l'accompagne ont grandement contribué à faire connaître et à étudier ce peintre, et ont contribué à le replacer dans la tapisserie complexe d'artistes et d'influence de la peinture sur vase à figures noires du VIe siècle. "The Amasis Painter and His World" a été une étape critique dans la reconnaissance de l'œuvre individuelle de ce peintre et de ses contributions au répertoire à figures noires, tout en soulignant les limites de la surestimation ou de la sous-estimation de l'influence d'un seul artiste. travailler à tout âge. L'héritage de Beazley en témoigne dans ses attributions aux artistes et aux écoles, quelle que soit la qualité perçue. La possibilité de voir le vaste corpus d'œuvres du peintre Amasis dans une seule exposition a conduit à une meilleure appréciation du contexte de son atelier - et des centaines d'autres vases à figures noires des nombreux peintres et potiers travaillant au VIe siècle av. L'œuvre du peintre Amasis offre un aperçu fascinant d'une partie de ce puzzle qui, une fois reconstitué par des érudits, révèle beaucoup sur les arts et l'artisanat de la Grèce archaïque. [Wikipédia]. AVIS: Nous connaissons les noms de certains potiers et peintres de vases grecs car ils ont signé leur œuvre. Généralement, un peintre signait son nom suivi d'une forme du verbe « peint », tandis qu'un potier (ou peut-être le peintre écrivant pour lui) signait son nom avec « fait ». Parfois, la même personne peut à la fois poter et peindre : Exekias et Epiktetos, par exemple, signent à la fois potier et peintre. À d'autres moments, le potier et le peintre étaient des personnes différentes et l'un ou les deux signaient. Cependant, tous les peintres ou potiers n'ont pas signé toutes leurs œuvres. Certains semblent n'avoir jamais signé leurs vases, à moins que par hasard des pièces signées par ces artisans n'aient survécu. Même dans le cas de vases non signés, il est parfois possible, par un examen minutieux de détails de style, de reconnaître des pièces d'un même artiste. L'attribution de vases athéniens non signés à figures noires et rouges à des peintres nommés et anonymes a été lancée au XXe siècle par Sir John Davidson Beazley. D'autres chercheurs ont développé des systèmes similaires pour d'autres groupes de vases, notamment le professeur AD Trendall pour les marchandises à figures rouges du sud de l'Italie. Pour plus de commodité, Beazley et les autres ont donné divers surnoms aux peintres anonymes qu'ils ont identifiés. Certains portent le nom des potiers connus avec lesquels ils semblent avoir collaboré - les Peintres de Brygos et Sotades, par exemple, sont nommés d'après les potiers de ces noms. D'autres peintres sont nommés d'après le lieu de découverte ou l'emplacement actuel d'un vase clé, comme les peintres de Lipari ou de Berlin. Quelques-uns, comme le Peintre de Burgon, tirent leurs noms d'anciens ou d'actuels propriétaires de vases à clés. D'autres sont nommés d'après les sujets de vases clés, comme les Niobid, Siren ou Cyclops Painters, ou encore des particularités de style, comme The Affecter ou Elbows Out Painters. [Musée anglais] AVIS: La poterie à figures noires de la Grèce antique (du nom de la couleur des représentations sur la poterie) a d'abord été produite à Corinthe, vers 700 avant JC, puis adoptée par les peintres de poterie en Attique, où elle deviendra le style décoratif dominant à partir de 625 avant JC et permettre à Athènes de dominer le marché méditerranéen de la poterie pendant les 150 prochaines années. Laconie était un troisième, bien que mineur, producteur du style dans la première moitié du VIe siècle avant J. de la mythologie grecque, des pratiques religieuses, sociales et sportives. Les récipients en poterie sont également un outil important pour déterminer la chronologie de la Grèce antique. Évoluant à partir des dessins géométriques antérieurs sur la poterie, la technique des figures noires représentait des animaux (plus appréciés à Corinthe) et des silhouettes humaines (préférées à Athènes) avec des détails naturalistes. Avant la cuisson, un pigment noir brillant de potasse, d'argile de fer et de vinaigre (comme fixateur) était appliqué en couche épaisse sur les vases et donnait un léger effet de relief. Des détails supplémentaires tels que des muscles et des cheveux ont été ajoutés aux personnages à l'aide d'un instrument pointu pour inciser à travers le noir pour révéler le récipient d'argile en dessous et en ajoutant des touches de peinture rouge et blanche. Les bordures et les bords des vaisseaux étaient souvent décorés de motifs floraux, de lotus et de palmettes. Certaines conventions de couleurs ont été adoptées telles que le blanc pour la chair féminine, le noir pour le mâle. D'autres conventions étaient une forme d'amande pour les yeux des femmes, circulaire pour les hommes, les enfants sont comme des adultes mais à plus petite échelle, les jeunes hommes sont imberbes, les vieillards ont les cheveux blancs et parfois voûtés, et les femmes plus âgées sont plus figurées. Certains gestes sont également devenus conventionnels comme la main à la tête pour représenter le chagrin. Une autre caractéristique frappante du style est le manque de naturalisme littéral. Les personnages sont souvent représentés avec un visage de profil et un corps frontal, et les coureurs sont dans la position impossible des deux bras et jambes gauches (ou droits) avançant. Il y eut cependant quelques tentatives de mise en perspective, les vues frontales des chevaux et des chars étant particulièrement populaires. Les récipients typiques du style sont les amphores, les lekythoi (bouteilles à poignée), les kylixes (gobelets à tige), les tasses unies, les pyxides (boîtes à couvercle) et les bols. Les peintres et les potiers étaient généralement, mais pas toujours, des spécialistes distincts. Le premier vase signé était de Sophilos et date d'environ 570 av. J.-C. De nombreux autres peintres individuels ont été identifiés avec certitude grâce à leurs signatures (le plus souvent comme « ... fait ceci ») et de nombreux autres artistes non signés peuvent être reconnus grâce à leur style particulier. L'exemple le plus célèbre de la technique est peut-être le vase François, un grand cratère à volutes, de Kleitias (vers 570 av. J.-C.) qui mesure 66 cm de haut et est couvert de 270 figures humaines et animales représentant une gamme étonnante de scènes et de personnages de la mythologie grecque, y compris , entre autres, les dieux olympiens, les centaures, Achille et Pélée. La technique sera finalement remplacée par la technique à figures rouges (inversée) vers 530 av. représenter de manière plus réaliste la figure humaine, deviendra finalement le style préféré de la décoration de la poterie grecque. [Encyclopédie de l'histoire ancienne]. AVIS: La peinture sur poterie à figures noires, également connue sous le nom de style à figures noires ou céramique à figures noires, est l'un des styles de peinture sur vases grecs antiques. Il était particulièrement courant entre le 7ème et le 5ème siècle avant JC, bien qu'il existe des spécimens datant d'aussi tard que le 2ème siècle avant JC. Stylistiquement, il peut être distingué de la période orientalisante précédente et du style de poterie à figures rouges qui a suivi. Des figures et des ornements ont été peints sur le corps du navire en utilisant des formes et des couleurs rappelant des silhouettes. Des contours délicats étaient incisés dans la peinture avant la cuisson, et les détails pouvaient être renforcés et mis en évidence avec des couleurs opaques, généralement blanches et rouges. Les principaux centres de ce style étaient initialement le centre commercial de Corinthe, puis Athènes. On sait que d'autres sites de production importants se trouvaient en Laconie, en Béotie, dans l'est de la Grèce et en Italie. En particulier en Italie, des styles individuels se sont développés, qui étaient au moins en partie destinés au marché étrusque. Les vases grecs à figures noires étaient très populaires chez les Étrusques, comme en témoignent les importations fréquentes. Les artistes grecs ont créé des produits personnalisés pour le marché étrusque qui différaient par la forme et le décor de leurs produits normaux. Les Étrusques ont également développé leur propre industrie de la céramique à figures noires orientée sur les modèles grecs. La peinture à figures noires sur vases a été le premier style artistique à donner naissance à un nombre important d'artistes identifiables. Certaines sont connues sous leur vrai nom, d'autres uniquement sous les noms pragmatiques qui leur ont été donnés dans la littérature scientifique. Surtout l'Attique était la patrie d'artistes bien connus. Certains potiers ont introduit une variété d'innovations qui ont souvent influencé le travail des peintres; parfois ce sont les peintres qui ont inspiré l'originalité des potiers. Les vases à figures rouges et à figures noires sont l'une des sources les plus importantes de la mythologie et de l'iconographie, et parfois aussi pour la recherche sur la vie quotidienne de la Grèce antique. Depuis le XIXe siècle au plus tard, ces vases font l'objet d'intenses recherches. La base de la peinture sur poterie est le support d'image, c'est-à-dire le vase sur lequel une image est peinte. Les formes populaires alternent avec les modes passagères. Alors que beaucoup se sont reproduits après des intervalles, d'autres ont été remplacés au fil du temps. Mais ils avaient tous une méthode de fabrication commune : une fois le vase réalisé, il était d'abord séché avant d'être peint. Les ateliers étaient sous le contrôle des potiers qui, en tant que propriétaires d'entreprises, avaient une position sociale élevée. La mesure dans laquelle les potiers et les peintres étaient identiques est incertaine. Il est probable que de nombreux maîtres potiers eux-mêmes ont apporté leur principale contribution au processus de production en tant que peintres de vases, tout en employant des peintres supplémentaires. Il n'est cependant pas aisé de reconstituer les liens entre potiers et peintres. Dans de nombreux cas, comme Tleson et le peintre de Tleson, Amasis et le peintre d'Amasis ou même Nikosthène et le peintre N, il est impossible de faire des attributions sans ambiguïté, bien que dans une grande partie de la littérature scientifique, ces peintres et potiers soient supposés être la même personne. . Mais de telles attributions ne peuvent être faites avec confiance que si les signatures du potier et du peintre sont à portée de main. Les peintres, qui étaient soit des esclaves, soit des artisans payés comme peintres potiers, travaillaient sur des vases non cuits et secs. Dans le cas de la production à figures noires, le sujet était peint sur le vase avec une pâte d'argile (une barbotine brillante, dans la littérature plus ancienne également désignée comme vernis) qui devenait noire après la cuisson. Ce n'était pas une "couleur" au sens traditionnel, puisque ce glissement de surface était du même matériau que le vase lui-même, ne différant que par la taille des particules constitutives. La zone des personnages a d'abord été peinte avec un outil en forme de pinceau. Les contours internes et les détails structurels ont été incisés dans l'engobe afin que l'argile sous-jacente puisse être vue à travers les rayures. Deux autres pigments à base de terre ont été utilisés pour ajouter des détails - le rouge et le blanc pour les ornements, les vêtements ou les parties de vêtements, les cheveux, les crinières d'animaux, les parties d'armes et d'autres équipements. Le blanc était également fréquemment utilisé pour représenter la peau des femmes. Le succès de tous ces efforts ne pouvait être jugé qu'après un processus de cuisson compliqué en trois phases qui a généré la couleur rouge de l'argile du vase et le noir de l'engobe appliqué. Plus précisément, le récipient a été cuit dans un four à une température d'environ 800 ° C, l'oxydation résultante donnant au vase une couleur rouge-orange. La température a ensuite été portée à environ 950 ° C avec les évents du four fermés et du bois vert ajouté pour éliminer l'oxygène. Le navire a ensuite viré au noir général. La dernière étape a nécessité la réouverture des évents pour permettre à l'oxygène d'entrer dans le four, qui a pu se refroidir. Le récipient est ensuite revenu à sa couleur rouge-orange en raison d'une nouvelle oxydation, tandis que la couche peinte maintenant frittée est restée la couleur noire brillante qui avait été créée dans la deuxième étape. Bien que la notation soit l'un des principaux indicateurs stylistiques, certaines pièces s'en passent. Pour ceux-ci, la forme est techniquement similaire au style orientalisant, mais le répertoire d'images ne reflète plus la pratique orientalisante. L'évolution de la peinture sur poterie à figures noires est traditionnellement décrite en termes de divers styles et écoles régionaux. En utilisant Corinthe comme plaque tournante, il y avait des différences fondamentales dans les productions des différentes régions, même si elles s'influençaient mutuellement. Surtout en Attique, bien que pas exclusivement là-bas, les artistes les meilleurs et les plus influents de leur temps ont caractérisé la peinture de poterie grecque classique. La technique des figures noires a été développée vers 700 av. J.-C. à Corinthe et utilisée pour la première fois au début du VIIe siècle av. J.-C. par les peintres potiers proto-corinthiens, qui peignaient encore dans le style orientalisant. La nouvelle technique rappelait les pièces métalliques gravées, la vaisselle en métal plus coûteuse étant remplacée par des vases en poterie avec des personnages peints dessus. Un style caractéristique à figures noires s'est développé avant la fin du siècle. La plupart des éléments orientalisants avaient été abandonnés et il n'y avait pas d'ornements à l'exception des rosaces tamponnées (les rosaces étant formées par un arrangement de petits points individuels). L'argile utilisée à Corinthe était molle, avec une teinte jaune, parfois verte. Un tir défectueux était une évidence, se produisant chaque fois que la procédure de tir compliquée ne fonctionnait pas comme souhaité. Le résultat était souvent une coloration indésirable de tout le vase ou de certaines parties de celui-ci. Après la cuisson, l'engobe brillant appliqué sur le vase est devenu noir mat. Les couleurs supplémentaires rouge et blanc sont apparues pour la première fois à Corinthe, puis sont devenues très courantes. Les vases peints sont généralement de petit format, rarement supérieurs à 30 cm. Flacons à huile (alabastra, aryballos), pyxides, cratères, oenochoes et coupes étaient les récipients les plus couramment peints. Les vases sculptés étaient également très répandus. Contrairement aux vases attiques, les inscriptions sont rares, et les signatures des peintres encore plus. La plupart des navires survivants produits à Corinthe ont été retrouvés en Étrurie, en Basse-Italie et en Sicile. Au VIIe et dans la première moitié du VIe siècle av. J.-C., la peinture sur vase corinthien domine le marché méditerranéen de la céramique. Il est difficile de construire une séquence stylistique pour la peinture de vase corinthien. Contrairement à la peinture attique, par exemple, les proportions de la base en poterie n'ont pas beaucoup évolué. Il est aussi souvent difficile de dater les vases corinthiens ; il faut souvent se fier à des dates secondaires, comme la fondation de colonies grecques en Italie. Sur la base de ces informations, une chronologie approximative peut être établie à l'aide de comparaisons stylistiques, mais elle a rarement la précision de la datation des vases attiques. Des scènes mythologiques sont fréquemment représentées, en particulier Héraclès et des personnages liés à la guerre de Troie. Mais l'imagerie sur les vases corinthiens n'a pas une gamme thématique aussi large que les œuvres ultérieures des peintres attiques. Les dieux sont rarement représentés, Dionysos jamais. Mais le cycle thébain était plus populaire à Corinthe que plus tard à Athènes. Les combats, les cavaliers et les banquets étaient principalement les scènes les plus courantes de la vie quotidienne, ces dernières apparaissant pour la première fois au début de la période corinthienne. Les scènes de sport sont rares. Les scènes avec des danseuses au ventre gras sont uniques et leur signification est jusqu'à présent contestée. Ce sont des buveurs dont le ventre et les fesses sont rembourrés avec des oreillers et ils peuvent représenter une première forme de comédie grecque. Le style transitionnel (640-625 av. J.-C.) reliait l'orientalisant (proto-corinthien) au style à figures noires. L'ancien style de frise animalière de la période proto-corinthienne s'était tari, tout comme l'intérêt des peintres de vases pour les scènes mythologiques. Pendant cette période, les créatures animales et hybrides dominaient. La forme indicatrice de l'époque était l'aryballe sphérique, qui était produite en grand nombre et décorée de frises d'animaux ou de scènes de la vie quotidienne. La qualité de l'image est inférieure par rapport à la période orientalisante. Les artistes les plus distingués de l'époque étaient le Shambling Bull Painter, dont l'œuvre la plus célèbre est un aryballe avec une scène de chasse, le Peintre de Palerme 489, et son disciple, le Columbus Painter. Le style personnel de ce dernier se reconnaît le plus facilement dans ses images de lions puissants. Outre l'aryballe, le kotyle et l'alabastron sont les formes de vase les plus importantes. Les bords des kotyles étaient ornés, et les autres décorations étaient constituées d'animaux et de raies. Les deux surfaces verticales du vase présentent fréquemment des scènes mythologiques. Les alabastrons étaient généralement peints avec des personnages uniques. Le Duel Painter était le premier peintre corinthien le plus important (625-600 av. J.-C.) qui a représenté des scènes de combat sur des aryballes. À partir de la période corinthienne moyenne (600-575 av. J.-C.), les couleurs opaques sont de plus en plus utilisées pour souligner les détails. Les figures ont en outre été peintes à l'aide d'une série de points blancs. Les aryballos sont devenus plus grands et ont reçu une base plate. Le peintre Pholoe est bien connu, son œuvre la plus célèbre étant un skyphos avec une image d'Héraclès. Le peintre Dodwell a continué à peindre des frises d'animaux, bien que d'autres peintres aient déjà renoncé à cette tradition. Sa période de création s'étend jusqu'à la fin de l'époque corinthienne et son influence ne peut être surestimée sur la peinture de vase de cette époque. De même, une réputation exceptionnelle était le maître du groupe Gorgoneion et le peintre de la cavalcade, qui a reçu cette désignation en raison de sa préférence pour la représentation de cavaliers sur des intérieurs de tasses; il était actif vers 580 av. J.-C. Deux de ses chefs-d'œuvre sont une coupe représentant le suicide d'Ajax et un cratère à colonne représentant un couple de mariés dans un char. Tous les chiffres indiqués sur le bol sont étiquetés. Le premier artiste connu de nom est le peintre de vases polychromes Timonidas (de), qui a signé une fiole et un pinax. Le nom d'un deuxième artiste de Milonidas apparaît également sur un pinax. La cruche à vin corinthienne olpe a été remplacée par une version attique de l'oinochoe avec une lèvre en trèfle. À l'époque corinthienne moyenne, les représentations de personnes sont redevenues plus courantes. Le cratère Eurytios daté d'environ 600 av. J.-C. est considéré comme d'une qualité particulièrement élevée ; il montre un symposium dans la frise principale avec Héraclès, Eurytios et d'autres figures mythiques. À l'époque corinthienne tardive (parfois désignée corinthien tardif I, 575-550 av. J.-C.), les vases corinthiens avaient un revêtement rouge pour renforcer le contraste entre les grandes zones blanches et la couleur plutôt pâle du vase d'argile. Cela mettait les artisans corinthiens en concurrence avec les peintres potiers attiques, qui avaient entre-temps pris une place prépondérante dans le commerce de la poterie. Les formes de vase attique étaient également de plus en plus copiées. Les oinochoes, dont la forme était restée pratiquement inchangée jusqu'à cette époque, ont commencé à ressembler à des formes attiques; lekythos a également commencé à être de plus en plus produit. Le cratère à colonnes, une invention corinthienne qui était pour cette raison appelée korinthios dans le reste de la Grèce, a été modifié. Le raccourcissement des volutes au-dessus des anses a donné naissance au cratère chalcidique. Le champ principal de l'image était orné de diverses représentations de la vie quotidienne ou de scènes mythologiques, le champ secondaire contenait une frise animalière. Le dos montrait souvent deux grands animaux. Les tasses étaient déjà devenues plus profondes à l'époque mi-corinthienne et cette tendance s'est poursuivie. Ils sont devenus aussi populaires que les kotyles. Beaucoup d'entre eux ont des scènes mythologiques à l'extérieur et une grimace de gorgone à l'intérieur. Ce type de peinture a également été adopté par les peintres attiques. De leur côté, les peintres corinthiens ont repris les champs d'images encadrées d'Athènes. Les frises d'animaux sont devenues moins importantes. Pendant ce temps, le troisième peintre corinthien avec un nom connu, Chares, était actif. Il faut aussi mentionner le Tydeus Painter qui, vers 560 av. J.-C., aimait peindre des amphores à col avec un fond rouge. Des rosettes incisées ont continué à être posées sur des vases; il ne manque que quelques cratères et coupelles. L'œuvre d'art la plus remarquable de cette période est le cratère d'Amphiaraos, un cratère à colonne créé vers 560 av. J.-C. comme l'œuvre majeure du peintre d'Amphiaraos. Il montre plusieurs événements de la vie du héros Amphiaraos. Vers 550 av. J.-C., la production de vases figurés prend fin. Le style corinthien tardif II suivant est caractérisé par des vases uniquement avec des ornements, généralement peints avec une technique de silhouette. Il a été remplacé par le style à figures rouges, qui n'a cependant pas atteint une qualité particulièrement élevée à Corinthe. Avec plus de 20 000 pièces existantes, les vases attiques à figures noires constituent la plus grande et en même temps la plus importante collection de vases, juste derrière les vases attiques à figures rouges. Les potiers attiques ont bénéficié de l'excellente argile riche en fer trouvée en Attique. Les vases Attic à figures noires de haute qualité ont un revêtement uniforme, brillant et noir et la base d'argile en terre cuite aux couleurs intenses a été méticuleusement lissée. La peau des femmes est toujours indiquée par une couleur blanche opaque, qui est également fréquemment utilisée pour des détails tels que des chevaux individuels, des vêtements ou des ornements. Les artistes attiques les plus remarquables ont élevé la peinture sur vase au rang d'art graphique, mais un grand nombre de produits de qualité moyenne et de grande consommation ont également été produits. La signification exceptionnelle de la poterie attique vient de son répertoire presque infini de scènes couvrant un large éventail de thèmes. Celles-ci fournissent de riches témoignages notamment en ce qui concerne la mythologie, mais aussi la vie quotidienne. En revanche, il n'y a pratiquement pas d'images faisant référence à des événements contemporains. De telles références ne sont qu'occasionnellement évidentes sous la forme d'annotations, par exemple lorsque des inscriptions kalos sont peintes sur un vase. Les vases étaient produits pour le marché intérieur d'une part, et étaient importants pour les celebrations ou en relation avec des actes rituels. D'autre part, ils constituaient également un important produit d'exportation vendu dans tout le bassin méditerranéen. Pour cette raison, la plupart des vases survivants proviennent de nécropoles étrusques. La technique des figures noires a été appliquée pour la première fois au milieu du 7ème siècle avant JC, pendant la période de la peinture sur vase proto-attique. Influencés par la poterie de Corinthe, qui offrait la plus haute qualité à l'époque, les peintres de vases attiques se sont tournés vers la nouvelle technologie entre environ 635 avant JC et la fin du siècle. Au début, ils suivaient de près les méthodes et les sujets des modèles corinthiens. Le Peintre de Berlin A 34 au début de cette période est le premier peintre individuel identifié. Le premier artiste au style unique fut le peintre Nessos. Avec son amphore Nessos, il crée la première pièce marquante du style attique à figures noires. En même temps, il était un des premiers maîtres du style de frise animale attique. L'un de ses vases était également le premier vase attique connu exporté en Étrurie. Il est également à l'origine des premières représentations de harpies et de sirènes dans l'art attique. Contrairement aux peintres corinthiens, il a utilisé des lignes incisées doubles et même triples pour mieux représenter l'anatomie animale. Une ligne d'épaule à double rainure est devenue une caractéristique des vases attiques. Les possibilités inhérentes aux grandes pièces de poterie telles que les amphores ventrales en tant que supports d'images ont également été reconnues très tôt. D'autres peintres importants de cette époque pionnière étaient le peintre du Pirée, le peintre de Bellérophon et le peintre du lion. Le style à figures noires s'est généralement établi à Athènes vers 600 av. Les windows images ont été fréquemment utilisées dans la période suivante et ont ensuite été adoptées même à Corinthe. Le Peintre Cerameicus et le Peintre Gorgone sont associés aux amphores à tête de cheval. L'influence corinthienne s'est non seulement maintenue, mais même intensifiée. La frise animalière était reconnue comme généralement obligatoire et coutumièrement utilisée. Cela avait des raisons économiques aussi bien que stylistiques, car Athènes était en concurrence avec Corinthe pour les marchés. Les vases attiques étaient vendus dans la région de la mer Noire, en Libye, en Syrie, en Basse-Italie et en Espagne, ainsi que dans la patrie grecque. En plus de suivre les modèles corinthiens, les vases d'Athènes ont également montré des innovations locales. Ainsi, au début du 6ème siècle avant JC, un "type Deianaira" de lécythe est apparu, avec une forme ovale allongée. Le peintre le plus important de cette époque était le Peintre de la Gorgone (600-580 av. J.-C.). C'était un artiste très productif qui utilisait rarement des thèmes mythologiques ou des figures humaines, et quand il le faisait, les accompagnait toujours d'animaux ou de frises d'animaux. Certains de ses autres vases n'avaient que des représentations animales, comme c'était le cas de nombreux vases corinthiens. Outre le Peintre de la Gorgone, il convient de mentionner les peintres du groupe Komast (585-570 avant JC). Ce groupe décorait des types de vases nouveaux à Athènes, à savoir les lekanes, les kotyles et les kothons. L'innovation la plus importante a cependant été l'introduction du gobelet komast, qui, avec les "gobelets prekomast" de la classe Oxford Palmette, marque le début du développement des gobelets Attic. Les peintres importants de ce groupe étaient l'ancien peintre KX et le peintre un peu moins talentueux KY, qui a introduit le cratère à colonnes à Athènes. Ces récipients ont été conçus pour être utilisés lors de banquets et ont donc été décorés de scènes de komos pertinentes, telles que des scènes de komos d'interprètes de komast. D'autres peintres importants de la première génération étaient le peintre Panther, le peintre Anagyrus, le peintre de Dresden Lekanis et le peintre Polos. Le dernier représentant significatif de la première génération de peintres était Sophilos (580-570 avant JC), qui est le premier peintre de vase attique connu par son nom. En tout, il a signé quatre vases survivants, trois en tant que peintre et un en tant que potier, révélant qu'à cette date les potiers étaient aussi des peintres de vases dans le style à figures noires. Une séparation fondamentale des deux métiers ne semble s'être produite qu'au cours du développement du style à figures rouges, bien qu'une spécialisation préalable ne puisse être exclue. Sophilos utilise abondamment les annotations. Il s'est apparemment spécialisé dans les grands vases, puisque les dinos et les amphores sont particulièrement connus pour être son travail. Beaucoup plus fréquemment que ses prédécesseurs, Sophilos montre des scènes mythologiques comme les jeux funéraires de Patrocle. Le déclin de la frise animalière commence avec lui, et les ornements végétaux et autres sont également de moins bonne qualité car ils sont considérés comme moins importants et reçoivent donc peu d'attention de la part du peintre. Mais à d'autres égards, Sophilos montre qu'il était un artiste ambitieux. Sur deux dinosaures, le mariage de Pélée et Thétis est représenté. Ces vases ont été produits à peu près à la même époque que le vase François, qui représente ce sujet à la perfection. Cependant, Sophilos se passe de garnitures sous forme de frises d'animaux sur l'un de ses deux dinos, et il ne combine pas différents mythes dans des scènes réparties sur différentes surfaces de vase. C'est le premier grand vase grec montrant un seul mythe dans plusieurs segments interdépendants. Une particularité des dinos est l'application par le peintre de la peinture blanche opaque désignant les femmes directement sur le fond d'argile, et non comme d'habitude sur le noir brillant. Les détails intérieurs et les contours de la figure sont peints en rouge terne. Cette technique particulière est rare, ne se trouve que dans des vases peints dans l'atelier de Sophilos et sur des panneaux de bois peints dans le style corinthien au 6ème siècle avant JC Sophilos a également peint l'un des rares calices (une variété de gobelet) et a créé la première série survivante de tablettes votives. Lui-même ou l'un de ses successeurs a également décoré le premier vase de mariage (appelé lebes gamikos) trouvé. À partir du deuxième tiers du VIe siècle av. J.-C. environ, les artistes attiques s'intéressent aux scènes mythologiques et autres représentations de personnages. Les frises d'animaux sont devenues moins importantes. Seuls quelques peintres s'en occupaient, et ils étaient généralement déplacés du centre d'attention vers des zones moins importantes de vases. Ce nouveau style est notamment représenté par le vase François, signé à la fois du potier Ergotimos et du peintre Kleitias (570-560 av. J.-C.). Ce cratère est considéré comme le plus célèbre vase peint grec. C'est le premier cratère à volute connu en argile. Les événements mythologiques sont représentés dans plusieurs frises, des frises d'animaux étant montrées dans des emplacements secondaires. Plusieurs détails iconographiques et techniques apparaissent pour la première fois sur ce vase. Beaucoup sont uniques, comme la représentation d'un mât abaissé d'un voilier ; d'autres sont devenus une partie du répertoire standard, comme les personnes assises avec une jambe derrière l'autre, au lieu du positionnement parallèle traditionnel des jambes. Quatre autres vases plus petits ont été signés par Ergotimos et Kleitias, et des vases et fragments supplémentaires leur sont attribués. Ils témoignent d'autres innovations de Kleitias, comme la première représentation de la naissance d'Athéna ou de la Danse en Crète. Nearchos (565–555 avant JC) signé comme potier et peintre. Il privilégie les grandes figures et est le premier à créer des images montrant l'attelage d'un char. Une autre innovation consistait à placer un dessin de langue sur un fond blanc sous le rebord du vase. D'autres peintres talentueux étaient le Peintre d'Akropolis 606 et le Peintre de Ptoon, dont la pièce la plus connue est la Hearst Hydria. Le groupe Burgon est également important, étant la source de la première amphore panathénaïque totalement conservée. La tasse Siana a évolué à partir de la tasse komast vers 575 avant JC Alors que le groupe Komast produisait des formes autres que des tasses, certains artisans se sont spécialisés dans la production de tasses après l'époque du premier exemple important de tasses Siana, le peintre C (575-555 avant JC). Les coupes ont un rebord plus haut qu'auparavant et une base en forme de trompette sur une tige creuse relativement courte. Pour la première fois dans la peinture de vase attique, l'intérieur de la coupe était décoré d'images encadrées (tondo). Il y avait deux types de décoration. Dans le style "à deux étages", le corps de la tasse et la lèvre ont chacun des décorations séparées. Dans le style "chevauchement", l'image s'étend sur le corps et la lèvre. Après le deuxième quart du 6ème siècle avant JC, il y avait plus d'intérêt pour la décoration en particulier des tasses avec des images d'athlètes. Un autre peintre important de la coupe de Siana était le peintre de Heidelberg. Lui aussi a peint presque exclusivement des tasses Siana. Son sujet de prédilection était le héros Héraclès. Le Peintre d'Heidelberg est le premier peintre attique à le montrer avec le sanglier d'Erymanthe, avec Nérée, avec Busiris et dans le jardin des Hespérides. Le peintre Cassandra, qui a décoré des tasses de taille moyenne avec des bases et des lèvres hautes, marque la fin du développement de la tasse Siana. Il est principalement important en tant que premier peintre connu à appartenir aux soi-disant Little Masters, un grand groupe de peintres qui ont produit la même gamme de récipients, connus sous le nom de tasses Little-master. Les tasses dites Merry Thought ont été produites en même temps que les tasses Siana. Leurs poignées ont la forme d'une fourchette à deux dents et se terminent par ce qui ressemble à un bouton. Ces tasses n'ont pas de rebord délimité. Ils ont également un bol plus profond avec un pied plus haut et plus étroit. Le dernier peintre exceptionnel de la période archaïque préclassique était Lydos (560-540 avant JC), qui a signé deux de ses pièces survivantes avec ho Lydos (le Lydien). Lui ou ses ancêtres immédiats sont probablement venus d'Asie Mineure mais il a sans doute été formé à Athènes. Plus de 130 vases survivants lui sont maintenant attribués. L'une de ses images sur une hydrie est la première représentation attique connue du combat entre Héraclès et Géryon. Lydos a été le premier à montrer Héraclès avec la peau d'un lion, qui est ensuite devenue courante dans l'art attique. Il a également représenté la bataille entre les dieux et les géants sur un dinosaure trouvé sur l'acropole d'Athènes, et Héraclès avec Cycnus. Lydos a décoré d'autres types de récipients en plus des hydriai et des dinos, tels que des assiettes, des tasses (coupes de Sienne superposées), des cratères à colonnes et des psykters, ainsi que des tablettes votives. Il reste difficile d'identifier les produits de Lydos en tant que tels puisqu'ils ne diffèrent souvent que légèrement de ceux de son milieu immédiat. Le style est assez homogène, mais les pièces varient considérablement en qualité. Les dessins ne sont pas toujours soignés. Lydos était probablement contremaître dans un atelier très productif du quartier de la poterie d'Athènes. Il fut vraisemblablement le dernier peintre de vases attiques à mettre des frises d'animaux sur de grands vases. Toujours dans la tradition corinthienne, ses dessins de figures sont un maillon de la chaîne des peintres de vases qui s'étend de Kleitias en passant par Lydos et les Peintres d'Amasis jusqu'à Exékias. Avec eux, il participe à l'évolution de cet art en Attique et exerce une influence durable. Une forme particulière de vases attiques de cette période était l'amphore tyrrhénienne (550-530 avant JC). Il s'agissait d'amphores à col en forme d'œuf avec des décorations atypiques du canon de conception attique habituel de l'époque. Presque tous les environ 200 vases survivants ont été trouvés en Étrurie. Le corps de l'amphore est généralement subdivisé en plusieurs frises parallèles. La frise supérieure ou d'épaule montre généralement une scène populaire de la mythologie. Il y a parfois des sujets moins communs, comme une scène unique du sacrifice de Polyxène. Les premières images érotiques connues sur les vases attiques se trouvent également à cet emplacement de vase. Les peintres mettent fréquemment des annotations sur les amphores tyrrhéniennes qui identifient les personnages représentés. Les deux ou trois autres frises étaient décorées d'animaux ; parfois l'un d'eux était remplacé par une frise végétale. Le col est habituellement peint d'une croix en palmette de lotus ou de festons. Les amphores sont assez colorées et rappellent les produits corinthiens. Dans ce cas, une forme corinthienne a évidemment été délibérément copiée pour produire un type de vase particulier pour le marché étrusque, où le style était populaire. Il est possible que cette forme n'ait pas été fabriquée à Athènes mais ailleurs en Attique, voire en dehors de l'Attique. Les peintres importants étaient le peintre Castellani et le peintre Goltyr. La période entre 560 et le début de la peinture sur poterie à figures rouges vers 530/520 av. J.-C. est considérée comme le summum absolu de la peinture sur vase à figures noires. A cette époque, les artistes les meilleurs et les plus connus ont exploité toutes les possibilités offertes par ce style. Le premier peintre important de cette époque fut le peintre Amasis (560–525 avant JC), du nom du célèbre potier Amasis, avec qui il travailla principalement. De nombreux chercheurs les considèrent comme la même personne. Il a commencé sa carrière de peintre à peu près au même moment que Lydos mais a été actif sur une période presque deux fois plus longue. Alors que Lydos a montré plus les capacités d'un artisan qualifié, le peintre Amasis était un artiste accompli. Ses images sont intelligentes, charmantes et sophistiquées et son développement artistique personnel se rapproche d'un reflet de l'évolution globale de la peinture de vase attique à figures noires à cette époque. Ses premiers travaux montrent son affinité avec les peintres de tasses Siana. Les progrès peuvent être plus facilement reconnus dans la façon dont il dessine les plis des vêtements. Ses premières figures féminines portent des vêtements sans plis. Plus tard, il peint des plis plats et anguleux, et à la fin il est capable de donner l'impression de vêtements souples et fluides. Les dessins de vêtements étaient l'une de ses principales caractéristiques; il aimait représenter des vêtements à motifs et à franges. Les groupes de figures que montre le Peintre d'Amasis ont été soigneusement dessinés et symétriquement composés. Au départ, ils étaient assez statiques, les figures ultérieures donnent une impression de mouvement. Bien que le Peintre d'Amasis ait souvent représenté des événements mythologiques - il est connu pour ses satyres à tête de cochon, par exemple - il est plus connu pour ses scènes de la vie quotidienne. Il fut le premier peintre à les représenter de manière significative. Son travail a influencé de manière décisive le travail des peintres à figures rouges plus tard. Il a peut-être anticipé certaines de leurs innovations ou s'en est laissé influencer vers la fin de sa carrière de peintre : sur nombre de ses vases, les femmes ne sont représentées qu'en contours, sans remplissage noir, et elles ne sont plus identifiables en tant que femmes par l'application d'opaques blanc comme couleur de peau. Le groupe E (550–525 avant JC) était une grande collection autonome d'artisans et est considéré comme le groupe anonyme le plus important produisant de la poterie attique à figures noires. Il rompt rigoureusement avec la tradition stylistique de Lydos tant au niveau de l'image que du vase. Les amphores à col en forme d'œuf ont été complètement abandonnées, les cratères à colonnes presque entièrement abandonnés. Au lieu de cela, ce groupe a introduit des amphores ventrales de type A, qui sont ensuite devenues une forme d'index. Les amphores à col n'étaient généralement produites que dans des versions personnalisées. Le groupe n'avait aucun intérêt pour les petits formats. De nombreuses scènes, en particulier celles issues des mythes, ont été reproduites encore et encore. Ainsi plusieurs amphores de ce groupe montrent Héraclès avec Géryon ou le Lion de Némée, et de plus en plus Thésée et le Minotaure, ainsi que la naissance d'Athéna. L'importance particulière du groupe réside cependant dans l'influence qu'il a exercée sur Exekias. La plupart des artistes attiques de l'époque ont copié les styles du groupe E et d'Exekias. Le travail de Lydos et du peintre Amasis n'a, en revanche, pas été imité aussi fréquemment. Beazley décrit l'importance du groupe pour Exekias comme suit: "Le groupe E est le terreau fertile d'où germe l'art d'Exekias, la tradition qu'il reprend et dépasse sur son chemin d'un excellent artisan à un véritable artiste". Exékias (545-520 av. J.-C.) est généralement considéré comme le maître absolu du style à figures noires, qui atteint son apogée avec lui. Son importance n'est pas seulement due à sa peinture de vase magistrale, mais aussi à sa poterie de haute qualité et innovante. Il a signé 12 de ses vases survivants en tant que potier, deux en tant que peintre et potier. Exekias a probablement joué un rôle important dans le développement des tasses Little-master et de l'amphore ventrale de type A mentionnée ci-dessus, et il a peut-être inventé le cratère calice, du moins la plus ancienne pièce existante provient de son atelier. Contrairement à de nombreux autres artisans comparables, en tant que peintre, il attachait une grande importance à l'élaboration soignée des ornements. Les détails de ses images - crinières de chevaux, armes, vêtements - sont également remarquablement bien exécutés. Ses scènes sont généralement monumentales et les personnages dégagent une dignité jusque-là inconnue en peinture. Dans de nombreux cas, il a rompu avec les conventions attiques. Pour son récipient le plus célèbre, la coupe Dionysos, il fut le premier à utiliser un revêtement intérieur rouge corail au lieu de la couleur rouge habituelle. Cette innovation, ainsi que son placement de deux paires d'yeux à l'extérieur, relie Exekias aux œilletons classiques. Probablement encore plus innovant était son utilisation de tout l'intérieur de la tasse pour son image de Dionysos, allongé sur un navire d'où poussent des vignes. A cette époque, il était en effet d'usage de ne décorer la surface intérieure que d'un visage de gorgone. La coupe est probablement l'une des expériences entreprises dans le quartier de la poterie pour innover avant l'introduction du style à figures rouges. Il a été le premier à peindre un navire naviguant le long du bord d'un dinosaure. Il a rarement adhéré aux modèles traditionnels de représentation de sujets mythologiques coutumiers. Sa description du suicide d'Ajax est également significative. Exekias ne montre pas l'acte lui-même, qui était dans la tradition, mais plutôt les préparatifs d'Ajax. À peu près aussi célèbre que la coupe de Dionysos est une amphore avec sa visualisation d'Ajax et d'Achille engagés dans un jeu de société. Non seulement la représentation est détaillée, Exekias transmet même le résultat du jeu. Presque à la manière d'un phylactère, il demande aux deux joueurs d'annoncer les numéros qu'ils lancent avec leurs dés - Ajax un trois et Achille un quatre. Il s'agit de la plus ancienne représentation connue de cette scène, dont il n'existe aucune mention dans la littérature classique. Pas moins de 180 autres vases survivants, datant de la version Exekias jusqu'à environ 480 avant JC, montrent cette scène. John Boardman souligne le statut exceptionnel d'Exekias qui le distingue des peintres de vases traditionnels : « Les personnes représentées par l'artiste précédent sont au mieux des poupées élégantes. Amasis (le peintre Amasis) était capable de visualiser les gens en tant que personnes. Mais Exekias pouvait les envisager comme des dieux et nous donner ainsi un avant-goût de l'art classique". Reconnaissant que les peintres de vases de la Grèce antique étaient considérés comme des artisans plutôt que comme des artistes, Exekias est néanmoins considéré par les historiens de l'art d'aujourd'hui comme un artiste accompli dont le travail peut être comparé aux peintures " majeures " (peintures murales et peintures sur panneaux) de cette période. Ses contemporains l'ont apparemment reconnu également. La collection berlinoise d'antiquités classiques de l'Altes Museum contient les vestiges d'une série de ses tablettes votives. La série complète comportait probablement 16 panneaux individuels. Passer une telle commande auprès d'un potier et peintre de vases est probablement unique dans l'Antiquité et témoigne de la haute réputation de cet artiste. Les tablettes montrent le deuil d'une femme athénienne décédée ainsi que son état allongé et son transport vers une tombe. Exekias exprime à la fois le chagrin et la dignité des personnages. Une particularité, par exemple, est que le chef du cortège funèbre tourne son visage pour regarder directement le spectateur, pour ainsi dire. La représentation des chevaux est également unique; ils ont des tempéraments particuliers et ne sont pas réduits à leur fonction d'animaux nobles, comme c'est d'ailleurs l'usage sur les vases. Il y avait une plus grande spécialisation parmi les producteurs de récipients et de tasses au cours de la période classique mature. Les tasses komast et Siana à grand volume ont évolué via les tasses Gordion en variantes gracieuses appelées tasses Little-master en raison de leur peinture délicate. Les potiers et les peintres de cette forme sont donc appelés Petits Maîtres. Ils ont principalement peint des coupes à bande et des coupes à lèvres. Les gobelets à lèvres tirent leur nom de leur lèvre relativement prononcée et délimitée. L'extérieur de la coupe a conservé une grande partie du fond d'argile et ne portait généralement que quelques petites images, parfois seulement des inscriptions, ou dans certains cas, la coupe entière n'était que peu décorée. Toujours dans la zone des anses, il y a rarement plus que des palmettes ou des inscriptions près des points d'attache. Ces inscriptions peuvent être la signature du potier, le toast d'un buveur ou simplement une séquence de lettres sans signification. Mais les intérieurs des gobelets à lèvres sont souvent également décorés d'images. Les bonnets de bande ont une transition plus douce entre le corps et le bord. La décoration se présente sous la forme d'une bande entourant l'extérieur de la coupe et peut souvent être une frise très élaborée. Dans le cas de cette forme, le rebord est recouvert d'un engobe noir brillant. L'intérieur conserve la couleur de l'argile, à l'exception d'un point noir peint au centre. Les variantes incluent les tasses Droop et les tasses Kassel. Les bonnets tombants ont des lèvres noires et concaves et un pied haut. Comme pour les tasses à bande classiques, le bord est laissé noir, mais la zone en dessous est décorée d'ornements comme des feuilles, des bourgeons, des palmettes, des points, des nimbes ou des animaux à l'extérieur de la tasse. Les tasses Kassel sont de petite taille, plus trapues que les autres tasses Little Masters, et tout l'extérieur est décoré. Comme dans le cas des tasses Droop, les ornements sont principalement peints. Les célèbres petits maîtres sont les potiers Phrynos, Sokles, Tleson et Ergoteles, ces deux derniers étant les fils du potier Nearchos. Hermogenes a inventé une variété de skyphos Little Master maintenant connue sous le nom de skyphos Hermogenes. Le peintre Phrynos, le peintre Taleides, le peintre Xenokles et le groupe de Rhodes 12264 doivent également être mentionnés ici. Jusqu'à la fin du siècle, la qualité de la production de vases à figures noires a pu être maintenue. Mais après le développement du style à figures rouges vers 530 avant JC, vraisemblablement par le peintre Andokides, de plus en plus de peintres sont passés au style à figures rouges, qui offrait beaucoup plus de possibilités pour ajouter des détails dans les contours de la figure. Le nouveau style a également permis de nombreuses expériences plus prometteuses avec des raccourcis, des vues en perspective et de nouvelles conceptions d'arrangements. Le contenu des scènes, comme toujours, reflétait les tendances du goût et l'esprit de l'époque, mais le style à figures rouges créait de meilleures conditions préalables pour présenter des scènes plus élaborées en exploitant les nouvelles possibilités d'arrangement. Mais en attendant, quelques artisans innovants pouvaient encore donner de nouvelles impulsions à la production de vases à figures noires. Le potier le plus imaginatif de l'époque, également un homme d'affaires talentueux, était Nikosthène. Plus de 120 vases portent sa signature, indiquant qu'ils ont été fabriqués par lui ou dans son atelier. Il semble s'être particulièrement spécialisé dans la production de vases destinés à l'exportation vers l'Étrurie. Dans son atelier, les amphores à col habituelles, Little Masters, Droop et œilletons ont été produites, mais aussi un type d'amphore rappelant la poterie étrusque bucchero, nommée l'amphore nikosthénique du nom de son créateur. Ces pièces ont été retrouvées notamment à Caere, les autres types de vases étant généralement à Cerveteri et Vulci. Les nombreuses inventions de son atelier ne se limitent pas aux formes. Dans l'atelier de Nikosthène, ce que l'on appelle la technique des Six a été développée, dans laquelle des personnages étaient peints en brun rougeâtre ou en blanc sur un engobe noir brillant. Il n'est pas clair si Nikosthène a également peint des vases, auquel cas il est généralement présumé être identique au peintre N. Le peintre BMN et le peintre Nikosthène à figures rouges portent également le nom de Nikosthène. Dans son atelier, il employa de nombreux peintres de vases célèbres, dont les vieux Lydos, Oltos et Epiktetos. La tradition de l'atelier a été poursuivie par le successeur de Nikosthène, Pamphaios. Deux peintres de vases à figures noires sont considérés comme maniéristes (540-520 av. J.-C.). Le peintre Elbows Out a décoré principalement les tasses des Petits Maîtres. Les coudes allongés de ses personnages sont bien visibles, une caractéristique responsable de son nom pragmatique. Il ne représente que rarement des scènes mythologiques ; les scènes érotiques sont beaucoup plus courantes. Il a également décoré une forme de vase rare connue sous le nom de lydion. Le plus important des deux peintres était L'Affecter, dont le nom vient de l'impression exagérément artificielle que produisent ses personnages. Ces personnages à petite tête ne semblent pas jouer autant qu'ils posent. Ses premiers travaux montrent des scènes de la vie quotidienne; plus tard, il s'est tourné vers des scènes décoratives dans lesquelles les figures et les attributs sont reconnaissables, mais à peine les actions. Si ses personnages sont vêtus, ils ont l'air d'être rembourrés; s'ils sont nus, ils sont très anguleux. L'Affecter était à la fois potier et peintre ; plus de 130 de ses vases ont survécu. Le Peintre d'Antimène (530-500 av. J.-C.) aimait décorer des hydries de frises d'animaux dans la prédelle, et sinon surtout des amphores à col. Deux hydries qui lui sont attribuées sont décorées sur la région du cou selon une technique de fond blanc. Il fut le premier à peindre des amphores avec un visage en forme de masque de Dionysos. Le plus célèbre de ses plus de 200 vases survivants montre une récolte d'olives à l'arrière. Ses dessins sont rarement vraiment précis, mais ils ne sont pas non plus excessivement négligents. Stylistiquement, le peintre Psiax est étroitement lié au Peintre d'Antimène, bien que le premier ait également utilisé la technique des figures rouges. En tant que professeur des peintres Euphronius et Phintias, Psiax a eu une grande influence sur le développement précoce du style à figures rouges. Il montre fréquemment des scènes de chevaux et de chars et des archers. Le dernier groupe important de peintres était le groupe Leagros (520-500 avant JC), nommé d'après l'inscription kalos qu'ils utilisaient fréquemment, Leagros. Les amphores et les hydries, ces dernières souvent avec des palmettes dans la prédelle, sont les récipients les plus fréquemment peints. Le champ d'image est généralement rempli à pleine capacité, mais la qualité des images est toujours maintenue à un niveau très élevé. Beaucoup des plus de 200 vases de ce groupe ont été décorés de scènes de la guerre de Troie et de la vie des peintres d'Héraclès comme le peintre plein d'esprit d'Acheloos, le peintre conventionnel de Chiusi et le peintre de l'aube avec ses détails fidèles appartiennent au groupe Leagros. D'autres peintres de vase bien connus de l'époque sont le peintre du deuil du Vatican, le peintre de Princeton , le peintre de Munich 1410 et le peintre Swing (540-520 avant JC), à qui de nombreux vases sont attribués. Il n'est pas considéré comme un très bon artiste, mais ses personnages sont involontairement humoristiques à cause des personnages avec leurs grosses têtes, leurs nez étranges et leurs poings souvent serrés. Le travail du Rycroft Painter ressemble à la peinture de vase à figures rouges et aux nouvelles formes d'expression. Il aimait représenter des scènes dionysiaques, des chevaux et des chars, et les aventures d'Héraclès. Il utilise souvent des dessins de contour. Les quelque 50 récipients généralement de grande taille qui lui sont attribués sont élégamment peints. La classe de CM 218 a principalement décoré des variations des amphores nikosthéniques. La classe Hypobibazon a travaillé avec un nouveau type d'amphore ventrale aux anses et aux pieds arrondis, dont le décor se caractérise par un méandre clé au-dessus des champs d'images. Une variante plus petite de l'amphore du cou a été décorée par le groupe des trois lignes. Le groupe Perizoma a adopté vers 520 avant JC la forme nouvellement introduite des stamnos. Vers la fin du siècle, des productions de haute qualité étaient encore produites par le peintre Euphiletos, le peintre madrilène et le peintre imaginatif Priam. En particulier, les peintres de coupes comme Oltos, Epiktetos, Pheidippos et Skythes ont peint des vases dans des styles à figures rouges et noires (poterie bilingue), principalement des œilletons. L'intérieur était généralement dans le style à figures noires, l'extérieur dans le style à figures rouges. Il existe plusieurs caisses d'amphores dont les faces avant et arrière sont décorées dans les deux styles différents. Les plus célèbres sont les œuvres du Peintre d'Andokides, dont les scènes à figures noires sont attribuées au Peintre de Lysippide. Les chercheurs sont divisés sur la question de savoir si ces peintres sont la même personne. Seuls quelques peintres, par exemple le peintre Nikoxenos et le peintre Athéna, ont produit de grandes quantités de vases en utilisant les deux techniques. Bien que la poterie bilingue ait été assez populaire pendant une courte période, le style est passé de mode déjà vers la fin du siècle. Du début du Ve siècle av. J.-C. jusqu'en 480 av. J.-C. au plus tard, tous les peintres de renom utilisaient le style à figures rouges. Mais les vases à figures noires ont continué à être produits pendant une cinquantaine d'années supplémentaires, leur qualité diminuant progressivement. Les derniers peintres produisant des images de qualité acceptable sur de grands vases étaient le Peintre d'Eucharistie et le Peintre de Kléophrade. Seuls les ateliers qui produisaient des formes plus petites comme les olpes, les oenoches, les skyphos, les amphores à petit col et les lécythes particuliers utilisaient de plus en plus le style ancien. Le peintre de Phanyllis a utilisé la technique des Six, entre autres méthodes, et le peintre d'Edimbourg et le peintre de Gela ont décoré le premier lécythe cylindrique. Le premier produisait principalement des scènes décontractées, claires et simples en utilisant un style à figures noires sur un fond blanc. Le fond blanc des vases était assez épais et n'était plus peint directement sur la base d'argile, une technique qui est devenue la norme pour tous les vases à fond blanc. Le Peintre de Sappho s'est spécialisé dans les lécythes funéraires. L'atelier du peintre Haimon était particulièrement productif; plus de 600 de leurs vases ont survécu. Le Peintre d'Athéna (qui est peut-être identique au Peintre de Bowdoin à figures rouges) et le Peintre de Persée ont continué à décorer de grands lécythes standard. Les scènes du peintre d'Athéna dégagent encore une partie de la dignité inhérente au travail du groupe Leagros. Le peintre de Marathon est principalement connu pour les lécythes funéraires trouvés dans le tumulus des Athéniens morts lors de la bataille de Marathon en 490 av. Le dernier peintre de lécythe important, le peintre de Beldam, a travaillé d'environ 470 avant JC à 450 avant JC À l'exception des amphores du prix panathénaïque, le style à figures noires a pris fin en Attique à cette époque. Parmi les vases attiques à figures noires, les amphores du prix panathénaïque jouent un rôle particulier. Après 566 av. J.-C., lorsque les celebrations panathénaïques ont été introduites ou réorganisées, elles étaient le prix des vainqueurs de compétitions sportives et étaient remplies d'huile d'olive, l'un des principaux produits d'exportation de la ville. Sur le devant, ils portaient systématiquement l'image de la déesse Athéna debout entre deux piliers sur lesquels perchaient des coqs; à l'arrière, il y avait une scène sports . La forme était toujours la même et n'a été que légèrement modifiée au cours de la longue période de sa production. L'amphore ventrale était, comme son nom l'indique, à l'origine particulièrement bulbeuse, avec un col court et un pied long et étroit. Vers 530 av. J.-C., les cous deviennent plus courts et le corps un peu plus étroit. Vers 400 av. J.-C., les épaules du vase étaient considérablement réduites en largeur et la courbe du corps du vase semblait resserrée. Après 366 av. J.-C., les vases redeviennent plus élégants et deviennent encore plus étroits. Ces vases ont été principalement produits dans les principaux ateliers du district de Kerameikos. Cela semble avoir été un honneur ou particulièrement lucratif de recevoir une commande pour la production des vases. Cela explique également l'existence de nombreuses amphores primées par d'excellents peintres de vases. En plus des peintres supérieurs à figures noires comme le peintre Euphiletos, Exekias, Hypereides et le groupe Leagros, de nombreux maîtres artisans à figures rouges sont connus comme créateurs d'amphores primées. Il s'agit notamment du peintre Eucharides, du peintre Kleophrades, du peintre berlinois, du peintre Achilleus et de Sophilos, qui était le seul à avoir signé l'un des vases survivants. Le premier vase connu a été produit par le groupe Burgon et est connu sous le nom de vase Burgon. Étant donné que le nom du fonctionnaire au pouvoir (Archon) apparaît parfois sur le vase après le 4ème siècle avant JC, certains vases peuvent être datés avec précision. Les Panathenaia étant des fêtes religieuses, le style et le type de décoration n'ont changé ni pendant la période des figures rouges ni après que les vases figurés n'aient plus vraiment fait l'objet d'un commerce à Athènes. Les amphores primées ont été produites au IIe siècle av. J.-C. et environ 1 000 d'entre elles ont survécu. Puisque pour certaines dates le nombre d'amphores attribuées à un gagnant est connu, il est possible d'en déduire qu'environ un pour cent de la production totale de vases athéniens a survécu. D'autres projections conduisent à la conclusion qu'au total environ sept millions de vases à personnages peints ont été produits à Athènes. En plus des amphores de prix, des formes imitatives connues sous le nom d'amphores de prix pseudo-panathénaïques ont également été fabriquées. Déjà au 7ème siècle avant JC, la poterie peinte était produite à Sparte pour la consommation locale ainsi que pour l'exportation. Les premières pièces de qualité ont été produites vers 580 av. J.-C. L'apogée de la poterie à figures noires a été atteinte entre 575 et 525 av. qui a d'abord été considéré comme la source originale de la poterie. La qualité des navires est très élevée. L'argile a été bien bouillie et a reçu un revêtement de couleur crème. Des amphores, des hydriai, des cratères à colonnes (appelés krater lakonikos dans l'antiquité), des cratères à volute, des cratères chalcidiques, des lebes, des aryballoi et la coupe à boire spartiate, la lakaina, ont été peints. Mais la forme d'index et la trouvaille la plus fréquente est la tasse. En Laconie, le bol profond était généralement placé sur un pied élevé; les coupes sur pieds bas sont rares. L'extérieur est généralement décoré d'ornements, généralement des festons de grenades, et la scène intérieure est assez grande et contient des personnages. En Laconie plus tôt que dans le reste de la Grèce, le tondo est devenu le cadre principal des scènes de coupe. L'image principale a également été divisée en deux segments à une date précoce, une scène principale et une plus petite, plus basse. Souvent, le récipient n'était recouvert que d'un engobe brillant ou décoré de quelques ornements. Les inscriptions sont rares mais peuvent apparaître comme des annotations de nom. Les signatures sont inconnues pour les potiers comme pour les peintres. Il est probable que les artisans laconiens étaient des peintres potiers périoeques. Les caractéristiques de la poterie correspondent souvent à la mode des peintres connus. Il est également possible qu'il s'agisse de potiers migrants de l'est de la Grèce, ce qui expliquerait la forte influence de la Grèce orientale, en particulier sur le peintre Boreads. Entre-temps, au moins huit peintres de vases peuvent être distingués. Cinq peintres, le peintre Arkesilas (565–555), le peintre Boreads (575–565), le peintre Hunt, le peintre Naucratis (575–550) et le peintre Rider (550–530) sont considérés comme les représentants les plus importants du style, tandis que d'autres peintres sont considérés comme des artisans de moindre habileté. Les images sont généralement anguleuses et rigides, et contiennent des frises d'animaux, des scènes de la vie quotidienne, notamment des symposiums, et de nombreux sujets mythologiques. Parmi ces derniers, Poséidon et Zeus sont particulièrement représentés, mais aussi Héraclès et ses douze travaux ainsi que les cycles des légendes thébaines et troyennes. Surtout sur les premiers vases, une grimace de gorgone est placée dans une coupe tondo. Une représentation de la nymphe Cyrène et d'un tondo avec un cavalier avec une vrille de défilement poussant de sa tête (nom vase du Rider Painter) sont exceptionnels. Une coupe avec une image d'Arcesilaus II est également importante. La coupe Arcesilas a fourni le nom pragmatique du Peintre Arcesilas. C'est l'une des rares représentations sur la poterie grecque d'événements ou de personnes actuels. Les sujets suggèrent une influence attique. Un violet rougeâtre était la principale couleur opaque. Actuellement, plus de 360 vases laconiens sont connus, dont près d'un tiers, soit 116 pièces, sont attribués au Peintre Naucratis. Le déclin vers 550 avant J. distribué, de Marseille à la Grèce Ionienne. À Samos, la poterie laconienne est plus courante que la poterie corinthienne en raison de l'alliance politique étroite avec Sparte. Des vases à figures noires ont été produits en Béotie du 6ème au 4ème siècle avant JC Jusqu'au début du 6ème siècle avant JC, de nombreux peintres béotiens utilisaient la technique des contours orientalisants. Par la suite, ils se sont orientés de près sur la production Attic. Les distinctions et attributions à l'une des deux régions sont parfois difficiles et les vases peuvent également être confondus avec la poterie corinthienne. Les vases attiques et corinthiens de mauvaise qualité sont souvent déclarés être des œuvres béotiennes. Souvent, les bons vases béotiens sont considérés comme attiques et les pauvres vases attiques sont faussement considérés comme béotiens. Il y a probablement eu un échange d'artisans avec l'Attique. Dans au moins un cas, il est certain qu'un potier attique a émigré en Béotie (le peintre des chevaux-oiseaux, et peut-être aussi le peintre de Tokra, et parmi les potiers certainement Teisias l'Athénien). Les sujets les plus importants sont les frises d'animaux, les symposiums et les scènes de komos. Les scènes mythologiques sont rares et, lorsqu'elles sont présentes, montrent généralement Héraclès ou Thésée. De la fin du VIe siècle au Ve siècle, un style en forme de silhouette a prédominé. Surtout kantharos, lekanis, tasses, assiettes et pichets ont été peints. Comme c'était le cas à Athènes, il y a des inscriptions kalos. Les potiers béotiens aimaient particulièrement produire des vases moulés, ainsi que des canthares avec des ajouts sculptés et des pyxides tripodes. Les formes des lekanis, des coupes et des amphores à col ont également été reprises d'Athènes. Le style de peinture est souvent humoristique et il y a une préférence pour les scènes de komos et les satyres. Entre 425 et 350 avant JC, les vases kabeiriques étaient le principal style à figures noires en Béotie. Dans la plupart des cas, il s'agissait d'une forme hybride entre un kantharos et un skyphos avec un bol profond et des poignées annulaires verticales, mais il y avait aussi des lebes, des coupes et des pyxides. Ils portent le nom du lieu principal où ils ont été trouvés, le sanctuaire des Kabeiroi près de Thèbes. Les scènes, généralement peintes sur une seule face du vase, représentent le culte local. Les vases caricaturent des événements mythologiques sous une forme humoristique et exagérée. Parfois, des scènes de komos sont montrées, qui sont vraisemblablement directement liées au culte. La peinture de vase à figures noires en Eubée a également été influencée par Corinthe et surtout par l'Attique. Il n'est pas toujours aisé de distinguer ces œuvres des vases attiques. Les érudits supposent que la plupart de la poterie a été produite à Érétrie. Principalement des amphores, des lécythes, des hydries et des plaques ont été peints. Les amphores de grand format étaient généralement décorées de scènes mythologiques, comme les aventures d'Héraclès ou le Jugement de Pâris. Les grandes amphores, dérivées des formes du 7ème siècle, ont des lèvres effilées et généralement des scènes relatives aux mariages. Ce sont apparemment des vases funéraires produits pour les enfants décédés avant de pouvoir se marier. L'utilisation restreinte de l'incision et l'utilisation régulière de blanc opaque pour les ornements floraux étaient des caractéristiques typiques de la poterie à figures noires d'Eretria. En plus des scènes reflétant des modèles attiques, il y avait aussi des scènes plus sauvages comme le viol d'un cerf par un satyre ou Héraclès avec des centaures et des démons. Les vases de la classe Dolphin étaient auparavant considérés comme attiques, mais sont maintenant considérés comme euboïques. Cependant, leur argile ne correspond à aucune source connue d'Eretrian. Peut-être que les pièces ont été produites à Chalcis. L'origine de certains styles régionaux à figures noires est contestée. Par exemple, la peinture sur poterie chalcidienne était autrefois associée à l'Eubée ; dans l'intervalle, la production en Italie est considérée comme plus probable. Dans presque aucune autre région de la Grèce, les frontières entre les styles orientalisant et à figures noires sont aussi incertaines que dans le cas des vases de la Grèce orientale. Jusqu'à environ 600 av. J.-C., seuls des dessins de contour et des espaces vides étaient utilisés. Puis, pendant la phase tardive du style orientalisant, des dessins incisés ont commencé à apparaître, la nouvelle technique venant du nord de l'Ionie. Le style de frise animalière qui prédominait auparavant était certes décoratif, mais offrait peu de possibilités de développement technique et artistique ultérieur. Des styles régionaux sont apparus, en particulier en Ionie. Vers la fin du style Wild Goat, les artistes du nord de la mer Ionienne ont imité - plutôt mal - les modèles corinthiens. Mais déjà au 7ème siècle, des vases de haute qualité étaient produits en Ionie. Depuis environ 600 avant JC, le style à figures noires a été utilisé entièrement ou en partie pour décorer des vases. En plus des styles régionaux qui se sont développés à Klazomenai, Ephèse, Milet, Chios et Samos, il y avait surtout dans le nord de l'Ionie des styles qui ne peuvent pas être localisés avec précision. Les flacons à huile qui adhéraient au modèle lydien (lydions) étaient courants, mais la plupart d'entre eux n'étaient décorés que de rayures. Il y a aussi des scènes originales, par exemple un Scythe avec un chameau de Bactriane, ou un satyre et un bélier. Pour certains styles, l'attribution est controversée. Ainsi, le groupe Northampton montre une forte influence ionienne mais la production était probablement en Italie, peut-être par des immigrants d'Ionie. À Klazomenai, principalement des amphores et des hydries ont été peintes au milieu du VIe siècle avant JC (vers 550 à 350 avant JC), ainsi que des bols profonds avec des personnages plats et anguleux. Les navires ne sont pas très élégants dans leur fabrication. Des femmes et des animaux dansants étaient fréquemment représentés. Les principaux ateliers étaient ceux du peintre de Tübingen, du peintre de Petrie et du groupe Urla. La plupart des vases ont été trouvés à Naukratis et à Tell Defenneh, qui a été abandonné en 525 avant JC. Leur origine était initialement incertaine, mais Robert Zahn a identifié la source par comparaison avec des images sur des sarcophages klazoméniens. La poterie était souvent décorée de masques féminins sculptés. Les scènes mythologiques étaient rares; les ornements en écailles de poisson, les rangées de points blancs et les danseuses à l'air raide étaient populaires. La représentation d'un héraut debout devant un roi et une reine est unique. En général, les hommes étaient caractérisés par de grandes barbes en forme de pique. Commençant déjà en 600 avant JC et continuant jusqu'à environ 520 avant JC, des coupes à rosettes, successeurs des coupes à oiseaux de la Grèce orientale, ont été produites, probablement à Klazomenai. La poterie samienne est apparue pour la première fois vers 560/550 av. J.-C. avec des formes adoptées de l'Attique. Ce sont des tasses et des kantharos des Petits Maîtres avec des formes faciales. La peinture est précise et décorative. Samos avec Milet et Rhodes était l'un des principaux centres de production de vases dans le style Wild Goat. La peinture de vase rhodienne est principalement connue à partir des plaques rhodiennes. Ceux-ci ont été produits en utilisant une technique polychrome avec de nombreux détails incisés comme dans la peinture à figures noires. De 560 à 530 environ avant JC, les situles étaient courantes, inspirées des modèles égyptiens. Ceux-ci montrent à la fois des sujets grecs, tels que Typhon, ainsi que des thèmes égyptiens anciens comme les hiéroglyphes égyptiens et les disciplines sportives égyptiennes. "Caeretan hydria" est le nom utilisé pour un style particulièrement coloré de peinture de vase à figures noires. L'origine de ces vases est contestée dans la littérature. Sur la base d'une évaluation de la peinture, les vases ont longtemps été considérés comme étrusques ou corinthiens, mais ces dernières années, l'opinion prédomine que les producteurs étaient deux peintres de poterie qui ont émigré de l'est de la Grèce à Caere (Cerveteri moderne) en Étrurie. Les inscriptions en grec ionique soutiennent la théorie de l'émigration. L'atelier n'existe que depuis une génération. Aujourd'hui, environ 40 vases produits par les deux maîtres artisans dans ce style sont connus. Tous sont hydriai sauf un alabastron. Aucun n'a été trouvé en dehors de l'Étrurie; la plupart venaient de Caere, d'où leur nom. Les vases sont datés d'environ 530 à 510/500 av. J.-C. Les hydries de Caeretan sont suivies stylistiquement par des amphores à col ornées de rayures. Ces hydries techniquement plutôt inférieures mesurent 40–45 cm. haute. Les corps de ces vases ont des cols hauts et très saillants, de larges épaules et des pieds annulaires bas en forme de calices renversés. De nombreux hydriai sont déformés ou présentent un tir défectueux. Les images peintes sont réparties en quatre zones : une zone des épaules, une zone du ventre avec des personnages et une avec des ornements, et une partie inférieure. Tous sauf la zone du ventre avec des personnages sont décorés d'ornements. There is only one cas des deux frises de ventre ayant des chiffres. Leurs multiples couleurs les distinguent de tous les autres styles à figures noires. Le style rappelle la peinture de vases ioniens et les tablettes de bois peintes multicolores trouvées en Égypte. Les hommes sont représentés avec la peau rouge, noire ou blanche. Les femmes sont presque toujours représentées avec une couleur blanche opaque. Les contours ainsi que les détails sont incisés, ce qui est typique du style à figures noires. Les surfaces d'engobe noir brillant sont souvent recouvertes d'un engobe coloré supplémentaire, de sorte que l'engobe noir qui devient visible là où il y a des rayures fournit aux différentes formes des détails internes. Au recto, les images sont toujours pleines d'action, au verso, les dessins héraldiques sont courants. Les ornements sont une composante importante des hydries; ils ne sont pas subsidiaires à d'autres motifs. Des pochoirs ont été utilisés pour peindre les ornements; ils ne sont pas incisés. Le Peintre Busiris et le Peintre Aigle sont nommés peintres. Ce dernier est considéré comme le principal représentant de ce style. Ils s'intéressaient particulièrement aux sujets mythologiques qui révélaient généralement une influence orientale. Sur le vase nom du peintre Busiris, Héraclès piétine le mythique pharaon égyptien Busiris. Héraclès est également fréquemment représenté sur d'autres vases, et des scènes de la vie quotidienne existent également. Il y a aussi des scènes peu communes, comme Cetus accompagné d'un sceau blanc. Les vases pontiques sont également étroitement liés stylistiquement à la peinture sur poterie ionienne. Dans ce cas également, on suppose qu'ils ont été produits dans des ateliers étrusques par des artisans émigrés d'Ionie. Les vases tirent leur nom trompeur de la représentation sur un vase d'archers supposés être des Scythes, qui vivaient à la mer Noire (Pontus). La plupart des vases ont été trouvés dans des tombes à Vulci, un nombre important également à Cerveteri. La forme index était une amphore à col de forme particulièrement élancée, ressemblant beaucoup aux amphores tyrrhéniennes. D'autres formes étaient des oenochoes avec des poignées en spirale, des dinos, des kyathos, des assiettes, des gobelets à base haute et, moins souvent, des kantharos et d'autres formes. La parure des vases pontiques est toujours similaire. En général, il y a un décor ornemental sur le cou, puis des figures sur l'épaule, suivies d'une autre bande d'ornements, une frise d'animaux et enfin un anneau de rayons. Le pied, le cou et les poignées sont noirs. L'importance des ornements est perceptible, bien qu'ils soient souvent formés assez négligemment; certains vases ne sont décorés que d'ornements. L'argile de ces vases est rouge jaunâtre ; l'engobe qui recouvre les vases est noir ou rouge brunâtre, de grande qualité et à reflets métalliques. Les couleurs opaques rouges et blanches sont généreusement utilisées pour les figures et les ornements. Les animaux sont généralement décorés d'une bande blanche sur le ventre. Les chercheurs ont identifié six ateliers à ce jour. Le plus ancien et le meilleur est considéré comme celui du Peintre de Paris. Il montre des figures mythologiques, dont un Héraclès imberbe, comme c'était la coutume dans l'est de la Grèce. Parfois, il y a des scènes qui ne font pas partie de la mythologie grecque, comme Héraclès combattant Junon Sospita ("le Sauveur") du Peintre de Paris, ou un démon loup du Peintre de Tityos. Il y a aussi des scènes de la vie quotidienne, des scènes de komos et des cavaliers. Les vases sont datés d'une époque comprise entre 550 et 500 avant JC, et environ 200 sont connus. Les vases étrusques produits localement datent probablement du VIIe siècle av. J.-C. Au début, ils ressemblent à des modèles à figures noires de Corinthe et de la Grèce orientale. On suppose qu'au début, les immigrés grecs étaient principalement les producteurs. Le premier style important était la peinture sur poterie pontique. Ensuite, dans la période entre 530 et 500 avant JC, le peintre Micali et son atelier ont suivi. À cette époque, les artistes étrusques avaient tendance à suivre les modèles attiques et produisaient principalement des amphores, des hydries et des cruches. Ils avaient généralement des scènes de komos et de symposiums et des frises d'animaux. Les scènes mythologiques sont moins courantes, mais elles sont réalisées avec beaucoup de soin. Le style à figures noires s'est terminé vers 480 av. J.-C. Vers la fin, un style maniériste s'est développé, et parfois une technique de silhouette plutôt négligente. La peinture de vase chalcidien a été nommée d'après les inscriptions mythologiques qui apparaissaient parfois dans l'écriture chalcidienne. Pour cette raison, l'origine de la poterie a d'abord été suspectée d'être l'Eubée. Actuellement, on suppose que la poterie a été produite à Rhegion, peut-être aussi à Caere, mais la question n'a pas encore été définitivement tranchée. La peinture de vase chalcidien a été influencée par la peinture attique, corinthienne et surtout ionienne. Les vases ont été trouvés principalement dans des endroits italiens comme Caeri, Vulci et Rhegion, mais aussi dans d'autres endroits de la Méditerranée occidentale. La production de vases chalcidiens débuta brusquement vers 560 av. J.-C. A ce jour, aucun précurseur n'a été identifié. Après 50 ans, vers 510 av. J.-C., c'était déjà fini. Environ 600 vases ont survécu et 15 peintres ou groupes de peintres ont été identifiés à ce jour. Ces vases se caractérisent par un travail de poterie de haute qualité. L'engobe brillant qui les recouvre est généralement d'un noir absolu après cuisson. L'argile a une couleur orange. Des couleurs opaques rouges et blanches ont été généreusement utilisées dans la peinture, tout comme le marquage pour produire des détails intérieurs. La forme index est l'amphore à col, représentant un quart de tous les vases connus, mais il existe aussi des œilletons, des oenochoes et des hydries ; les autres types de navires étant moins courants. Les lékanis et les coupes de style étrusque sont des exceptions. Les vases sont économiques et rigoureux dans la construction. Le "pied en coupe chalcidienne" est une caractéristique typique. Il est parfois copié dans des vases attiques à figures noires, moins souvent dans des vases à figures rouges. Le plus important des artistes connus de l'ancienne génération est le peintre d'inscriptions, des plus jeunes représentants le peintre Phineus. Le premier est vraisemblablement à l'origine du style; quelque 170 des vases survivants sont attribués à l'atelier très productif de ce dernier. Il est probablement aussi le dernier représentant de ce style. Les images sont généralement plus décoratives que narratives. Des cavaliers, des frises d'animaux, des images héraldiques ou des groupes de personnes sont représentés. Une grande croix de palmette de lotus fait souvent partie de l'image. Les scènes mythologiques sont rares, mais lorsqu'elles se produisent, elles sont en général d'une qualité exceptionnelle. La peinture de vase pseudo-chalcidienne succède à la peinture chalcidienne. Il est proche du Chalcidien mais a également des liens étroits avec la peinture de vase attique et corinthienne. Ainsi, les artistes ont utilisé l'alphabet ionien plutôt que l'alphabet chalcidien pour les inscriptions. La structure de l'argile est également différente. Il existe environ 70 vases connus de ce type, qui ont été classés pour la première fois par Andreas Rumpf. Il est possible que les artisans aient succédé aux peintres de vases et aux potiers chalcidiens qui ont émigré en Étrurie. La peinture de vase pseudo-chalcidienne est classée en deux groupes. L'aîné des deux est le groupe Polyphemus, qui a produit la plupart des vaisseaux survivants, principalement des amphores à col et des oinochoes. Des groupes d'animaux sont généralement représentés, plus rarement des scènes mythologiques. Les vaisseaux ont été retrouvés en Etrurie, en Sicile, à Marseille et à Vix. Le groupe de Memnon, plus jeune et moins productif, auquel 12 vases sont actuellement attribués, avait une répartition géographique beaucoup plus réduite, se limitant à l'Étrurie et à la Sicile. À l'exception d'un oinochoé, ils ne produisaient que des amphores à col, généralement décorées d'animaux et de cavaliers. Les vases du groupe Northampton étaient tous des amphores à petit col, à l'exception d'une amphore à ventre unique. Ils sont stylistiquement très similaires à la peinture de vase nord ionienne, mais ont probablement été produits en Italie plutôt qu'en Ionie, peut-être en Étrurie vers 540 av. J.-C. Les vases de ce groupe sont de très haute qualité. Ils montrent de riches décorations ornementales et des scènes qui ont capté l'intérêt des savants, comme un prince avec des chevaux et quelqu'un monté sur une grue. Ils sont similaires aux travaux du Groupe de Campana Dinoi et à l'amphore dite de Northampton dont l'argile est similaire à celle de Caeretan hydriai. Le groupe Northampton a été nommé d'après cette amphore. Les hydries rondes de Campana rappellent les modèles béotiens et eubéens. Les alabastrons à corps cylindrique d'Andros sont rares, tout comme les lekanis de Thasos. Ceux-ci rappellent les produits béotiens sauf qu'ils ont deux frises d'animaux au lieu de la frise unique commune à la Béotie. Les assiettes thasiennes suivent plutôt les modèles attiques et avec leurs scènes figurées sont plus ambitieuses que sur les lekanis. Des imitations de vases de Chios dans le style à figures noires sont connues. La poterie locale à figures noires de Halai est également rare. Après que les Athéniens ont occupé Elaious sur les Dardanelles, la production locale de poterie à figures noires a également commencé là-bas. Les produits modestes comprenaient de simples lekanis avec des images de contour. Un petit nombre de vases de style à figures noires ont été produits en France celtique. Eux aussi étaient presque certainement inspirés des vases grecs. Les recherches savantes sur ces vases ont commencé surtout au XIXe siècle. Depuis cette époque, le soupçon s'est intensifié que ces vases ont une origine grecque plutôt qu'étrusque. En particulier, une amphore du prix panathénaïque trouvée par Edward Dodwell en 1819 à Athènes en a fourni la preuve. Le premier à présenter une preuve fut Gustav Kramer dans son ouvrage Styl und Herkunft der bemalten griechischen Tongefäße (1837). Cependant, il a fallu plusieurs années pour que cette idée soit généralement acceptée. Eduard Gerhard a publié un article intitulé Rapporto Volcente dans les Annali dell'Instituto di Corrispondenza Archeologica dans lequel il a systématiquement étudié les vases; il fut le premier érudit à le faire. À cette fin, en 1830, il étudia des vases trouvés à Tarquinia, les comparant, par exemple, à des vases trouvés en Attique et à Égine. Au cours de ce travail, il a identifié 31 signatures de peintres et de potiers. Auparavant, seul le potier Taleides était connu. L'étape suivante de la recherche a été le catalogage scientifique des principales collections de vases des musées. En 1854, Otto Jahn publia les vases de la collection d'antiquités de l'État de Munich. Auparavant, les catalogues des musées du Vatican (1842) et du British Museum (1851) avaient été publiés. La description de la collection de vases de la Collection d'antiquités classiques de Berlin, constituée en 1885 par Adolf Furtwängler, a été particulièrement influente. Furtwängler a été le premier à classer les récipients par région d'origine artistique, technologie, style, forme et style de peinture, ce qui a eu un effet durable sur les recherches ultérieures. En 1893, Paul Hartwig a tenté dans son livre Meisterschalen d'identifier divers peintres sur la base d'inscriptions kalos, de signatures et d'analyses de style. Edmond Pottier, conservateur au Louvre, initie en 1919 le Corpus Vasorum Antiquorum. Toutes les principales collections du monde entier sont publiées dans cette série qui, en 2009, comptait plus de 300 volumes. La recherche scientifique sur la peinture de vases attiques doit beaucoup à John D. Beazley. Il a commencé à étudier ces vases vers 1910, en utilisant la méthode développée par l'historien de l'art Giovanni Morelli pour l'étude des peintures, qui avait été affinée par Bernard Berenson. Il supposait que chaque peintre créait des œuvres originales qui pouvaient toujours être attribuées sans équivoque. Il a utilisé des détails particuliers tels que les visages, les doigts, les bras, les jambes, les genoux et les plis des vêtements. Beazley a étudié 65 000 vases et fragments, dont 20 000 à figures noires. Au cours de ses études, qui ont duré près de six décennies, il a pu en attribuer 17 000 par leur nom ou en utilisant un système de noms pragmatiques, et les classer en groupes de peintres ou d'ateliers, de relations et d'affinité stylistique. Il a identifié plus de 1 500 potiers et peintres. Aucun autre archéologue n'a eu une influence aussi décisive sur la recherche d'un domaine archéologique que Beazley, dont les analyses restent valables dans une large mesure jusqu'à nos jours. Après Beazley, des chercheurs comme John Boardman, Erika Simon et Dietrich von Bothmer ont étudié les vases attiques à figures noires. La recherche fondamentale sur la poterie corinthienne a été accomplie par Humfry Payne, qui, dans les années 1930, a fait une première classification stylistique qui est, pour l'essentiel, utilisée jusqu'à nos jours. Il a classé les vases selon la forme, le type de décoration et les sujets d'image, et ce n'est qu'ensuite qu'il a fait des distinctions selon les peintres et les ateliers. Il a suivi la méthode de Beazley sauf pour attribuer moins d'importance à l'attribution des peintres et des groupes car un cadre chronologique était plus important pour lui. Jack L. Benson s'est chargé de cette tâche d'attribution en 1953 et a distingué 109 peintres et groupes. Enfin, Darrell A. Amyx a résumé les recherches jusqu'à ce point dans son livre de 1988 Corinthian Vase-Painting of the Archaic Period. C'est cependant un sujet de controverse scientifique s'il est possible dans le cas de la poterie corinthienne d'attribuer des peintres spécifiques. La poterie laconienne était connue depuis le XIXe siècle par un nombre important de vases provenant de sépultures étrusques. Au début, ils ont été attribués à tort, étant longtemps considérés comme un produit de Cyrène, où certaines des premières pièces ont également été trouvées. Grâce aux fouilles britanniques menées dans le sanctuaire d'Artémis Orthia de Sparte, leur véritable origine a été rapidement identifiée. En 1934, Arthur Lane a rassemblé tout le matériel connu et a été le premier archéologue à identifier différents artistes. En 1956, les nouvelles découvertes ont été étudiées par Brian B. Shefton. Il a réduit de moitié le nombre de peintres distincts. En 1958 et 1959, d'autres nouveaux documents de Tarente ont été publiés. Un nombre important d'autres vases ont également été trouvés à Samos. Conrad Michael Stibbe a étudié à nouveau les 360 vases qu'il connaissait et a publié ses découvertes en 1972. Il a identifié cinq peintres majeurs et trois mineurs. Outre les recherches sur la peinture de vases attiques, corinthiens et laconiens, les archéologues s'intéressent souvent particulièrement aux styles italiens mineurs. Les hydriai de Caeretan ont été identifiés et nommés pour la première fois par Carl Humann et Otto Puchstein. Andreas Rumpf, Adolf Kirchhoff et d'autres archéologues ont suspecté à tort que l'origine de la poterie Chalkidischen était l'Eubée. Georg Ferdinand Dümmler est responsable de la fausse dénomination des vases pontiques, qu'il supposait provenir de la région de la mer Noire en raison de la représentation d'un Scythe sur l'un des vases. En attendant, la recherche sur tous les styles est moins menée par des individus que par un grand groupe international de scientifiques. [Wikipédia]. AVIS: La poterie grecque d'environ 1000 à environ 400 av. J.-C. fournit non seulement certaines des formes de vase les plus distinctives de l'Antiquité, mais également certaines des représentations les plus anciennes et les plus diverses des croyances et pratiques culturelles des anciens Grecs. De plus, la poterie, avec sa durabilité (même lorsqu'elle est cassée) et son manque d'attrait pour les chasseurs de trésors, est l'un des grands survivants archéologiques et est donc un outil important pour les archéologues et les historiens pour déterminer la chronologie de la Grèce antique. Quelle que soit leur valeur artistique et historique, la grande majorité des vases grecs, bien qu'ils soient maintenant des pièces de musée poussiéreuses, étaient en fait destinés à un usage quotidien et, pour paraphraser Arthur Lane, il vaut peut-être la peine de se rappeler que debout sur un trottoir de pierre et trempé d'eau , ils auraient autrefois brillé au soleil méditerranéen. L'argile ( keramos ) pour produire de la poterie ( kerameikos ) était facilement disponible dans toute la Grèce, bien que la plus belle soit l'argile attique, avec sa forte teneur en fer donnant une couleur rouge orangé avec un léger éclat lors de la cuisson et le chamois pâle de Corinthe. L'argile était généralement préparée et raffinée dans des bassins de décantation afin que différentes consistances de matériau puissent être obtenues en fonction des types de récipients à fabriquer avec. La poterie grecque était invariablement fabriquée sur le tour du potier et généralement réalisée en sections horizontales distinctes : le pied, le bas et le haut du corps, le cou et enfin les poignées, si nécessaire. Ces sections ont ensuite été réunies avec une « barbotine » d'argile après séchage et il est possible dans de nombreux cas de voir les empreintes du potier imprimées à l'intérieur du récipient. La pièce a ensuite été remise sur la roue pour lisser les marques de jointure et ajouter la mise en forme finale. Par conséquent, tous les vases étaient uniques et les petites variations de dimensions révèlent que l'utilisation d'outils simples et non de gabarits découpés était la norme. Ensuite, le pot a été décoré. Ce procédé dépendait du style décoratif en vogue à l'époque, mais les méthodes populaires consistaient à peindre tout ou partie du vase avec une fine peinture adhésive noire qui était ajoutée au pinceau, dont les marques restent visibles dans de nombreux cas. Cette peinture noire était un mélange de potasse alcaline ou de soude, d'argile contenant du silicium et d'oxyde ferreux noir de fer. La peinture était fixée au pot à l'aide d'un fixateur d'urine ou de vinaigre qui brûlait à la chaleur du four, liant la peinture à l'argile. Une autre technique, plus rarement utilisée, consistait à recouvrir le vase d'une peinture à l'argile blanche. Alternativement, seules des lignes ou des figures ont été ajoutées en noir en utilisant une version plus épaisse de la peinture noire mentionnée ci-dessus et appliquée avec un pinceau rigide ou une plume ; en conséquence, un léger effet de relief a été obtenu. Des détails mineurs étaient souvent ajoutés avec une peinture noire amincie donnant une couleur jaune-brun, une terre de pipe blanche et un rouge foncé d'ocre et de manganèse. Ces deux dernières couleurs avaient tendance à s'écailler avec le temps. Le pot fini était alors prêt à être mis au four et cuit à une température d'environ 960 °C, ce qui est relativement bas et explique la « douceur » de la poterie grecque (par rapport, par exemple, à la porcelaine chinoise). Les pots ont été cuits plusieurs fois (dans le même four) afin d'obtenir la finition et la coloration requises. Tout d'abord, le pot a été cuit dans un feu oxydant où une bonne ventilation du four a permis de faire ressortir l'orange/rouge de l'argile. Ensuite, le pot était recuit dans un four privé d'oxygène (processus de réduction) en ajoutant de l'eau ou du bois humide à l'intérieur du four. Cela garantissait que les couleurs peintes, en particulier le noir, s'assombrissaient. Une troisième cuisson, toujours avec une bonne aération, a rougi à nouveau la terre du pot tandis que les zones peintes, désormais protégées par un léger lavis, ont conservé leur coloration d'origine. Ce processus compliqué nécessitait évidemment un excellent timing de la part du potier afin de ne pas gâcher le vase avec une décoloration inconvenante. Les potiers grecs produisaient des récipients pratiques pour le vin, l'eau, l'huile et les parfums. Peintre et potier (kerameus) étaient généralement, mais pas toujours, des spécialistes distincts. Cependant, des partenariats durables existaient comme entre le potier Ergotimos et le peintre Kleitas. De nombreux potiers individuels et, moins fréquemment, des peintres, ont été identifiés avec certitude grâce à leurs signatures (le plus souvent comme "...fait ceci"), bien que la majorité des vases grecs ne soient pas signés. Cependant, le professeur JD Beazley, travaillant au 20ème siècle après JC, a identifié plus de 500 artistes non signés se distinguant par leur style particulier. Le catalogage systématique et complet de la poterie grecque par Beazley a également permis l'étude de son évolution dans les techniques, les dessins et la décoration. Les peintres travaillaient souvent dans des ateliers collectifs, généralement sous la supervision d'un «maître» potier (ce qui suggère que la forme était en fait plus importante que la décoration pour les Grecs). Bien que les artistes soient libres de tout contrôle ou restriction politique centralisé, ils étaient sans aucun doute motivés par la demande du marché pour des styles, des sujets et des modes particuliers. De nombreux potiers et artistes ont été prolifiques dans leur production et, dans certains cas, plus de 200 vases peuvent être attribués à un seul artiste. La majorité des ouvriers de la poterie n'auraient pas été payés plus que n'importe quel autre ouvrier manuel et un bon vase ne coûtait probablement qu'une journée de salaire. Certes, quelques artistes auraient été très demandés et leurs produits ont été vendus non seulement localement, mais partout dans la Méditerranée. Les potiers eux-mêmes ont parfois déménagé dans d'autres villes, en particulier dans les colonies, emportant souvent avec eux leur style régional. Il y avait aussi une certaine rivalité entre les artistes comme l'indique un commentaire signé sur un vase, "mieux qu'Euphronias n'aurait jamais pu faire". Bien que la poterie grecque nous offre une large gamme de formes allant des tasses aux assiettes en passant par les amphores massives, de nombreuses formes sont restées relativement constantes au fil des siècles. C'est principalement parce que les potiers grecs produisaient des marchandises à usage pratique - contenant du vin, de l'eau, de l'huile et des parfums - et une fois que la forme pratique optimale avait évolué, elle était copiée et maintenue. Cependant, malgré cette restriction de forme, les potiers et peintres grecs pouvaient exprimer leur polyvalence dans la décoration du vase. Les formes de poterie les plus courantes étaient les amphores pour conserver le vin, les grands cratères pour mélanger le vin avec l'eau, les cruches (oinochoai) pour verser le vin, les kylix ou les coupes à pied avec des poignées horizontales pour boire (particulièrement pratique si l'on soulève une tasse du sol lorsqu'on s'allonge sur une chaise longue au dîner), une hydre à trois anses pour contenir de l'eau, des skyphoi ou des bols profonds et des pots de lécythe pour contenir des huiles et des parfums. Précisément parce que ces objets étaient destinés à un usage pratique, les poignées (lorsqu'elles sont présentes) sont généralement des affaires robustes, mais le potier, en utilisant des formes soigneusement étudiées, a souvent réussi à mélanger ces ajouts dans l'harmonie générale du récipient et a été aidé dans cette entreprise avec subtilité. ajouts décoratifs par le peintre. La poterie grecque, notamment en termes de décoration, a évolué au cours des siècles et peut être classée en quatre grands groupes. Ces groupes ou styles, cependant, ne sont pas passés brusquement de l'un à l'autre mais, dans certains cas, ont été contemporains pendant des décennies. En outre, certaines cités-États et régions ont été lentes à adopter de nouveaux styles ou ont simplement préféré la décoration de style «ancien» longtemps après avoir cessé de produire ailleurs. De plus, certaines villes et régions ont toujours été un peu excentriques dans leur décoration (notamment Laconie-Sparte, Chypre, Crète et Béotie) et ont préféré suivre leur propre voie artistique plutôt que d'imiter les styles des centres plus dominants comme Athènes et Corinthe. Le premier style de poterie grecque distinctif est apparu pour la première fois vers 1000 avant JC ou peut-être même plus tôt. Rappelant la technique des civilisations grecques antérieures de la Crète minoenne et du continent mycénienne, la décoration de la poterie grecque primitive utilisait des formes simples, utilisées avec parcimonie. La poterie proto-géométrique, cependant, diffère de la forme minoenne et mycénienne. Le centre de gravité du vase est déplacé vers le bas (créant un vaisseau plus stable) avec les pieds et le cou plus articulés. Les dessins proto-géométriques les plus populaires étaient des cercles peints avec précision (peints avec plusieurs pinceaux fixés à un compas), des demi-cercles et des lignes horizontales en noir et avec de grandes zones du vase peintes uniquement en noir. Un nouveau motif sur les bases des récipients était les points triangulaires droits qui dureraient pendant des siècles et deviendraient une caractéristique de base de la conception ultérieure de la poterie à figures noires. À partir de 900 avant JC environ, le style géométrique complet apparaît et privilégie l'espace rectangulaire sur le corps principal du vase entre les anses. Des dessins linéaires audacieux (peut-être influencés par les styles contemporains de vannerie et de tissage) sont apparus dans cet espace avec une décoration de lignes verticales de chaque côté. C'est à cette époque que le design Maeander est apparu pour la première fois (peut-être inspiré par la pratique consistant à enrouler des feuilles autour des bords de bols en métal), destiné à être associé à jamais à la Grèce et toujours aussi fort sur tout, des assiettes aux serviettes de plage, même aujourd'hui. La partie inférieure des récipients géométriques était souvent peinte en noir et séparée du reste du vase par des lignes horizontales. Une forme intéressante de style géométrique est apparue qui était la boîte circulaire avec un couvercle plat, au-dessus de laquelle, un à quatre chevaux agissaient comme une poignée. À partir du 8ème siècle avant JC, la décoration géométrique de la poterie a commencé à inclure des figures humaines stylisées, des oiseaux et des animaux avec presque toute la surface du vase couverte de lignes et de formes audacieuses peintes en marron et noir. Vers la fin de la période au 7ème siècle avant JC, le style dit orientalisant est devenu populaire à Corinthe. Grâce à ses relations commerciales orientales, la ville s'est appropriée les plantes stylisées (par exemple, le lotus, le palmier et l'arbre de vie), les frises d'animaux (par exemple, les lions) et les lignes courbes de poterie égyptienne et assyrienne pour produire sa propre version grecque unique. Le reste de la Grèce orientale a emboîté le pas, préférant souvent le rouge sur fond blanc. Athènes a également suivi la nouvelle tendance et elle s'est généralisée avec, par exemple, les Cyclades produisant également de la poterie dans ce nouveau style plus libre, souvent sur de très grands vases et au décor plus spacieux. À la fin du 7ème siècle avant JC, la poterie proto-corinthienne a atteint de nouveaux sommets de technique et de qualité, produisant la plus belle poterie jamais vue, en termes de cuisson, de forme et de décoration. Les figures stylisées noires sont de plus en plus gravées avec précision et reçoivent toujours plus de détails, de grâce et de vigueur. Le célèbre style de poterie à figures noires était né. Bien que produits d'abord à Corinthe, puis avec de beaux exemplaires réalisés en Laconie et en Italie du Sud (par les colons eubéens), ce seront les potiers et les peintres de l'Attique qui excelleront par-dessus tout dans le style à figures noires, et ils continueront jusqu'à dominera le marché grec pendant les 150 prochaines années. Toutes les figures n'étaient pas peintes en noir car certaines conventions de couleurs étaient adoptées, comme le blanc pour la chair féminine et le rouge violet pour les vêtements et les accessoires. Un plus grand intérêt pour les détails fins tels que les muscles et les cheveux, qui ont été ajoutés aux figures à l'aide d'un instrument pointu, est caractéristique du style. Cependant, ce sont les postures des personnages qui marquent également la poterie à figures noires comme l'apogée de la peinture grecque sur vase. Les plus belles figures reçoivent grâce et équilibre et sont souvent illustrées dans les moments précédant le mouvement réel ou le repos après l'effort. Le célèbre vase d'Exekias, avec Ajax et Achille jouant à un jeu de société pendant la guerre de Troie, est un excellent exemple de la dignité et de l'énergie que la peinture à figures noires pouvait atteindre. De plus, les vases à figures noires racontaient souvent, pour la première fois, un récit. L'exemple le plus célèbre est peut-être le vase François, un grand cratère à volute réalisé par Ergotimos et peint par Kleitas (570-565 av. J.-C.) qui mesure 66 cm de haut (26 pouces) et est couvert de 270 figures humaines et animales représentant une gamme étonnante de scènes et personnages de la mythologie grecque. Les autres récipients typiques du style à figures noires sont les amphores, les lécythes, les kylixes, les coupes unies, les pyxides (petites boîtes à couvercle) et les bols. La technique des figures noires a été remplacée par la technique des figures rouges (figures rouges créées en peignant leur contour avec un fond noir) vers 530 avant JC qui durera environ 130 ans. Les deux styles ont été parallèles pendant un certain temps et il existe même des exemples « bilingues » de vases avec les deux styles, mais la figure rouge, avec son avantage du pinceau sur le burin, pourrait tenter de représenter de manière plus réaliste la figure humaine et finalement elle est devenue le style préféré de la décoration de la poterie grecque. Peut-être influencé par les techniques de peinture murale contemporaines, les détails anatomiques, les expressions faciales diverses, les vêtements plus détaillés (en particulier les plis, suivant la nouvelle mode de la robe chiton plus légère qui a également fasciné les sculpteurs contemporains), les tentatives plus grandes de représentation de la perspective, le chevauchement des figures , et la représentation de la vie quotidienne comme l'éducation et les scènes sportives sont toutes caractéristiques de ce style. Les formes des vaisseaux à figures rouges sont généralement celles du style à figures noires. Une exception est le kylix qui devient moins profond et avec un pied plus court, devenant presque une troisième poignée. De plus le récit peint se lit en tournant la coupe dans la main. D'autres modifications mineures sont l'hydre, qui devient un peu plus pleine et l'amphore du cou plus mince. Les lécythes de cette période avaient généralement un fond blanc, tout comme (plus rarement) les tasses et les boîtes. Au IVe siècle av. J.-C., peut-être en tentant de copier les innovations en perspective de la fresque contemporaine, le style à figures rouges révélera ses limites et les vases dégénéreront en scènes surchargées aux étranges perspectives flottantes. De manière significative, la peinture sur poterie ne serait plus intrinsèquement liée à la forme qu'elle décorait et cesserait ainsi d'exister en tant que forme d'art à part entière. Par conséquent, l'attention et l'excellence artistiques se détourneront de l'enfermement de la poterie vers d'autres médiums plus ouverts comme la peinture murale. En conclusion, nous pouvons dire que non seulement la poterie grecque nous a donné certaines des formes et des dessins les plus distinctifs, les plus influents et les plus beaux de l'Antiquité, mais elle nous a également ouvert une fenêtre sur la vie, les pratiques et les croyances d'un peuple. disparu depuis longtemps et dont nous n'avons bien souvent aucune trace écrite contemporaine. Ces objets du quotidien, contrairement à ces autres survivants archéologiques que sont la littérature, la sculpture et l'architecture, nous permettent de nous sentir un peu plus proches des gens ordinaires du monde antique, ceux qui n'avaient pas les moyens de s'offrir des œuvres d'art ou des bijoux précieux mais pouvaient se permettre de posséder un objet tel qu'un vase grec. [Encyclopédie de l'histoire ancienne]. : Nous expédions toujours les livres dans le pays (aux États-Unis) via USPS ASSURÉ courrier des médias (« tarif du livre »). 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De l'extérieur, les couvertures présentent une légère usure des bords et des coins, principalement sous la forme de légères marques de pli sur trois des quatre coins ouverts ainsi que le long du bord ouvert de la couverture avant (pas de plis pointus ou pliés, juste "stress" les rides). Le dos du livre est également légèrement délavé, allant de l'orange au pêche. C'est généralement le résultat du fait que le dos du livre, pris e Éditeur: Musée J.Paul Getty (1985), Longueur: 246 pages, Dimensions: 255x204x1.9cm; 9.2kg, Format: Couverture souple illustrée surdimensionnée, Brand: - Sans marque/Générique -, ISBN: 9780892360864

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